El jilguero – Antonio Vivaldi

El jilguero (Carduelis carduelis) es un ave de colores y canto muy alegre, se alimenta de semillas de girasol, trigo, algunos insectos en la estación de cría y sobre todo de las semillas de los cardos (carduus), de donde proviene su nombre latino. Desde tiempos antiguos es criado en cautividad debido precisamente a su alegre canto, que está compuesto por trinos parecidos a los de los canarios, pero con un toque asilvestrado.

Suele vivir en caminos de bosques, setos, campiñas, parques, jardines, huertos y, en general, cualquier zona herbácea, en especial si existe abundancia de cardos. prefiere para vivir ambientes calurosos, siendo menos frecuente observarlo a medida que aumenta la altitud.

El macho y la hembra son muy parecidos, con el ave en la mano, el macho presenta mayor cantidad de rojo en la cara, y plumillas nasales generalmente más oscuras

El poeta y sacerdote español Jacinto Verdaguer le dedicó este bonito poema:

Cuando Jesucristo en la cruz en el Calvario moría
el jilguero gentil fue a hacerle compañía
Allá con el pico estirando los clavos de sus manos divinas,
las espinas de su frente y las cuerdas que lo cernían,
se tiñó la cabeza con la sangre de sus heridas,
en su faena, trabajando veía a Jesús todo el día
y cuando no pudo arrancar ni aquellos clavos ni las espinas,
cantando sobre la cruz le endulzo la agonía,
por eso tiene la cabeza rojiza el jilguero avispado,
he aquí porque es el pájaro que más trina el día de Jueves Santo.

También Antonio Vivaldi compuso en su honor esta preciosa pieza llamada “Il cardelino” (el jilguero), compuesta para flauta y cuerdas en Re mayor, en bajo contínuo,  con tres movimientos:

Allegro: tras la presentación de la flauta sobre un acompañamiento de la orquesta  este instrumento solista ejecuta un fragmento imitando el canto del jilguero que da su nombre al concierto; el movimiento sigue con un constante juego centrado principalmente en el intercambio de trinos entre la flauta y los violines.

Cantabile: una siciliana para flauta y continuo, es un breve movimiento lento orientado a exaltar las cualidades líricas del instrumento solista, como es típico en las piezas de Vivaldi.

Allegro: interviene de nuevo la orquesta completa y, como en el primer allegro, domina el juego basado en los trinos.

Niccolò Paganini

Niccolò Paganini Bocciardo nace el 27 de octubre de 1782 en Génoba y muere el 27 de mayo de 1840 en Niza. Fue un violinista, violista, guitarrista y compositor italiano, considerado entre los más virtuosos músicos de su tiempo, reconocido como uno de los mejores violinistas que hayan existido, con oído absoluto y entonación perfecta, técnicas de arco expresivas y nuevos usos de técnicas de staccato y pizzicato.

Sus padres fueron Antonio Paganini, comerciante y violinista,  y Teresa Bocciardo. Empezó a estudiar la mandolina con su padre a los cinco años. A los siete años comenzó a tocar el violín. Hizo su primera aparición pública a los nueve años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía los trece. No obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín.

Il Cannone

En París conoció a Franz Liszt, quien fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín.

Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía «nota 13«. Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.

Se dice que, a consecuencia de su obsesión por la perfección, sus manos se llegaron a deformar tanto que cada una, al ser extendidas median 45 centímetros.

Llegó a poseer cinco violines Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius (su violín favorito) llamado Il Cannone.

Entre sus obras destacan:

• Veinticuatro caprichos para violín solo Op. 1 (1818)
• Seis conciertos para violín y orquesta,
• Nueve Cuartetos para guitarra y arcos (1806-1816)
• El Carnaval de Venecia
• La danza de las brujas (1813)
• Tarantella (1830).

Cuelgo el vídeo en el que podemos oír la “Tarantella” ¿a qué es preciosa?

De: Wikipedia

Los Pájaros – Ottorino Respighi

En 1927, Ottorino Respighi compone Los pájaros (Gli Uccelli).

En ella, basada en la música de los siglos XVII y XVIII, Respighi intenta de transcribir canto de los pájaros en la notación musical.

La obra consta de cinco movimientos:

• «Prelude» (basado en la música de Bernardo Pasquini)
• «La Colomba» («La paloma», basado en la música de Jacques de Gallot)
• «La gallina» («La gallina», basado en la música de Jean-Philippe Rameau)
• «L’usignuolo» («El ruiseñor», basado en la canción popular «Engels Nachtegaeltje»)
• «Il cucù» («El cuco», basado en la música de Pasquini)

Intervienen: 3 flautas, oboe, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, arpa, clave y cuerdas.

Podemos oir en este vídeo el fragmento dedicado a «La Paloma»:

Ottorino Respighi

Ottorino Respighi nace en Bolonia el 9 de julio de 1879 y muere en Roma el 18 de abril de 1936. Fue compositor, director de orquesta, pianista,, violista y musicólogo. Es el compositor italiano más famoso del primer tercio del siglo XX.

Era hijo de un profesor de piano. A los ocho años empezó el estudio del violín, que prosiguió, junto con el de la viola, en 1891 en el Liceo Musical «G. B. Martini» de su ciudad natal. Luego cursó composición, y a fines de 1900 presentó sus Variazioni sinfoniche. Este mismo año marchó a Rusia, donde permaneció cinco meses y conoció a Rimski-Korsakov. quien influiría de forma importante en su música gracias a la cual introduciría el colorido orquestal ruso en la música italiana.

En 1913 pasó a enseñar composición en el Conservatorio de Santa Cecilia, de Roma, del que sería nombrado director posteriormente y a cuyo puesto renunciaría dos años más tarde para dedicarse a la composición.

En 1917 compuso el primero de sus poemas sinfónicos, Las fuentes de Roma. Y con el mismo esquema, en 1924, el segundo: Pinos de Roma (su obra más popular). Con el tercero, Festivales romanos quiso revivir el espíritu del nacinalismo italiano de su tiempo.

Incluyo un fragmento de Pinos de Roma. Esta obra incluye cuatro partes o cuadros sinfónicos:

• Los Pinos de Villa Borghese
• Los Pinos cerca de una Catacumba
• Los Pinos de Gianicolo
• Los Pinos de la Vía Apia.

En Los Pinos de Villa Borghese el autor quiere representar niños que juegan en los bosques de pinos de Villa Borghese, a la rueda, a las batallas y marchas militares:

Respighi estudió en profundidad la música italiana de los siglos XVI al XVIII. Publicó ediciones de la música de Monteverdi, Vivaldi y Benedetto Marcello. 

También escribió música para el teatro: nueve óperas y  dos ballets: La Bella Durmiente, originalmente para marionetas y luego como mimo para niños. Su última ópera, Lucrecia, fue terminada, después de su muerte, por su esposa.

En general compuso óperas, poemas sinfónicos, sonatas, conciertos, obra coral, etc.

 De: http://www.biografiasyvidas.com/ y wikipedia.

Sinfonía de los adioses – Joseph Haydn

Una de las más conocidas piezas de Haydn es la Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, también conocida como Sinfonía de los adioses, compuesta en 1772.

 La obra consta de cuatro movimientos:

1. Allegro assai, en compás de 3/4
2. Adagio, en compás de 3/8
3. Menuet:  Allegretto, en compás de 3/4
4. Finale: Presto, en compás de 2/2 – Adagio, en compás de 3/8

En esta fecha, durante una estancia en la que Haydn y la corte de músicos permanecieron en el palacio de verano, en Eszterháza, el príncipe Nicolás Esterházy (jefe del compositor),  prolongó  la estancia de los músicos más de lo esperado así que los músicos, en su mayoría, fueron obligados a dejar a sus mujeres en casa, en Eisenstadt. Por esta causa, en el último movimiento de la sinfonía,  Haydn, en forma de protesta y para defender a sus músicos, como era su obligación dado el puesto que tenía, instó sutilmente a su patrón a dejarles volver a casa.

Toda la sinfonía está en la línea de sus sinfonías Sturm und Drang (tonalidad menor y contrastes extremos). Sin embargo, su final es único puesto que después del explosivo presto, se presenta un inesperado adagio.

 Durante este adagio  cada músico deja de tocar (algunos tienen pequeños solos), apaga la vela de su atril (antes era la forma de poder leer con luz la partitura)  y se va en este orden: primer oboe y segunda trompa, fagot, … once compases después,  el segundo oboe y primera trompa, así … poco a poco … dejan la escena contrabajos, violonchelos, violines, viola  quedándo al final sólo dos violines tocados con sordina (que hacían sonar el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini). Esterházy al parecer entendió el mensaje porque, según cuenta la historia, al ver que todos abandonaban la escena dijo:

 – “Bueno, si todos se van, igual nosotros también deberíamos irnos”.

 Y la corte regresó a Eisenstadt al día siguiente.

 Este es el cuarto movimiento de la obra que nos ocupa, dirigida por Barenboïm en el Concierto de Año Nuevo de 2009, año que estuvo dedicado a J. Haydn:

Las musas griegas

Las musas, según la mitología griega eran las diosas inspiradoras de la música  (etimológicamente la palabra Música proviene de la griega Musa) y posteriormente también de la poesía, las artes y las ciencias. Se dedicaban a alegrar con sus cánticos a los dioses del Olimpo, fomentaban la inspiración de los humanos, eran juezas y ayudaban a los reyes mortales con sus prudentes consejos, especialmente a Calíope.

Las musas griegas eran nueve hermanas, que, según el mito,  fueron engendradas en nueve noches consecutivas por  la titánide Mnemósine, la personificación de la memoria, (hija de Urano y Gea) y Zeus.  Habitaban en el monte Helicón o en el Parnaso , junto al oráculo de Delfos , bajo la tutela del dios Apolo que las acompañaba con una cítara.

Cada una de estas musas simboliza una de las artes o placeres humanos:

Clío: Es la musa de la historia. Sus diferentes representaciones artísticas son una corona de laureles, un libro o un pergamino, una tablilla, un estilete y un cisne.

Erato: Es la musa del arte lírico de la elegía. Sus representaciones artísticas con una lira, una viola y un cisne.

Euterpe: (Ευτέρπη) significa en griego «La muy placentera», «La de agradable genio» o «La de buen ánimo».

Se la considera, la musa de la música instrumental y de los intérpretes. Normalmente la encontramos representada con una corona de flores y llevando entre sus manos el doble-flautín. Se relacionaba mucho con Tepsícore, diosa de la danza.

El río Estrimón dejó a Euterpe embarazada. Su hijo, Rhesus de Tracia dirigó a una partida de Tracianos y murió a manos de Diomedes en Troya, según  nos cuenta Homero en su libro «La Ilíada».

Melpómene: Es la musa de la tragedia. Se representa con una corona, con una espada o con una máscara trágica.

Polimnia: Es la musa de la retórica. Se representa con un gesto serio y con un instrumento musical (normalmente un órgano).

Talía: La musa de la comedia. Normalmente se la representa con un instrumento de música (generalmente una viola), una máscara cómica y un pergamino.

Terpsícore: La musa de la danza. Se la representa con un instrumento musical de cuerda: una viola o una lira.

Urania: La musa de la astronomía y de la astrología. Es representada habitualmente con un compás, con una corona de estrellas y con un globo celeste.

Participaron entre otras en una competición musical, pero esta vez la jueza fue Hera, y ellas eran las que debieron medirse con las sirenas. Las Musas ganaron la competencia y tomaron como trofeo las alas de las sirenas, privándolas de su vuelo. Según Ovidio las alas les sirvieron a las Musas para huir de Pireneo, rey de la Fócida, cuando intentó apoderarse de ellas cuando paseaban solas, muy alejadas de su morada. En pleno vendaval les ofreció asilo y cuando éstas aceptaron, las encerró en su palacio. Sin embargo, antes de que el tirano pudiese consumar ninguna de sus fechorías, las nueve muchachas se proveyeron de las alas de las sirenas, y lograron escapar, provocando la muerte de Pireneo mientras las perseguía.

Parte de: http://www.webmitologia.com/

Serenata «Rimpianto» – Enrico Toselli

Enrico Toselli fue un pianista y compositor italiano, nació  en Florencia el 13 de marzo de 1883 y murió también en esta ciudad el 15 de enero de 1926.

 Autor de numerosas obras que se hicieron muy populares en su tiempo, pero la más conocida es su Serenata “Rimpianto” (lamento en italiano) op. 6 nº 1 que fue transcrita a infinidad de instrumentos.

 El mismo hizo la transcripción para el violín y el piano, en respuesta a muchas peticiones. Estas transcripciones agregaron mucho más encanto a la propia serenata, convertida hoy día en un icono de la música romántica.

 También compuso dos zarzuelas: la de La Cattiva Francesca  y la Principessa bizzarra

 Estuvo casado con la ex Princesa de la Corona de Sajonia, su Alteza Imperial y Real la Archiduquesa Luisa, Princesa de Toscana, lo que quizá le llevó a ser más conocido por el escándalo de su matrimonio, que por su propia música, al final arruinó su vida.

Y … aquí tenemos  la letra traducida al español de esta romántica canción:

Como un sueño de oro

está grabado en el corazón

el recuerdo de aquel amor

que ya no existe más

Esa visión fue

como una dulce sonrisa

que hace más feliz

con su brillo nuestra juventud

Pero fue muy breve en mí

la dulzura de esa felicidad, desapareció

ese hermoso sueño de oro

dejando en mí el dolor.

Oscuro es el futuro, siempre más tristes

los días, la juventud pasada lamento,

solo me queda tanto

lamento amargo y dolor en el corazón