El jilguero – Antonio Vivaldi


jilgueros 1El jilguero (Carduelis carduelis) es un ave de colores y canto muy alegre, se alimenta de semillas de girasol, trigo, algunos insectos en la estación de cría y sobre todo de las semillas de los cardos (carduus), de donde proviene su nombre latino. Desde tiempos antiguos es criado en cautividad debido precisamente a su alegre canto, que está compuesto por trinos parecidos a los de los canarios, pero con un toque asilvestrado.

Suele vivir en caminos de bosques, setos, campiñas, parques, jardines, huertos y, en general, cualquier zona herbácea, en especial si existe abundancia de cardos. prefiere para vivir ambientes calurosos, siendo menos frecuente observarlo a medida que aumenta la altitud.

El macho y la hembra son muy parecidos, con el ave en la mano, el macho presenta mayor cantidad de rojo en la cara, y plumillas nasales generalmente más oscuras

El poeta y sacerdote español Jacinto Verdaguer le dedicó este bonito poema:

Cuando Jesucristo en la cruz en el Calvario moría
el jilguero gentil fue a hacerle compañía
Allá con el pico estirando los clavos de sus manos divinas,
las espinas de su frente y las cuerdas que lo cernían,
se tiñó la cabeza con la sangre de sus heridas,
en su faena, trabajando veía a Jesús todo el día
y cuando no pudo arrancar ni aquellos clavos ni las espinas,
cantando sobre la cruz le endulzo la agonía,
por eso tiene la cabeza rojiza el jilguero avispado,
he aquí porque es el pájaro que más trina el día de Jueves Santo.

También Antonio Vivaldi compuso en su honor esta preciosa pieza llamada “Il cardelino” (el jilguero), compuesta para flauta y cuerdas en Re mayor, en bajo contínuo,  con tres movimientos:


Allegro: tras la presentación de la flauta sobre un acompañamiento de la orquesta  este instrumento solista ejecuta un fragmento imitando el canto del jilguero que da su nombre al concierto; el movimiento sigue con un constante juego centrado principalmente en el intercambio de trinos entre la flauta y los violines.

Cantabile: una siciliana para flauta y continuo, es un breve movimiento lento orientado a exaltar las cualidades líricas del instrumento solista, como es típico en las piezas de Vivaldi.

Allegro: interviene de nuevo la orquesta completa y, como en el primer allegro, domina el juego basado en los trinos.

Serenata para cuerdas en Do Mayor – P.I. Tchaikovsky


Nadezhda_von_MeckLa «Suite para Orquesta de Cuerdas» o también llamada «Serenata para Cuerdas en Do mayor», op.48 de P.I. Tchaikovsky es una de las piezas más populares del autor y  fundamental en la música romántica.  Compuesta en 1880, en un momento de paz y serenidad, cuando mantenía una relación epistolar con la rica y culta viuda Nadia von Meck, admiradora de su obra, que actuó como su ángel benefactor, tanto en el aspecto económico como en el espiritual.

Es una pieza que emociona por su románticismo. Está inspirada en las que Mozart compuso anteriormente. Compuesta para: violínes, violas, chelos y contrabajos.

El estreno se produjo el mismo año,  el 21 de Noviembre de 1880, en un concierto privado del Conservatorio de San Petesburgo, con una cálida acogida. En 1881 se presentó al público en la capital imperial y, en 1882, en Moscú. Desde entonces, sigue conmoviendo a los oyentes por la belleza de su melodía.orquesta de cuerdas

En la Serenata para Cuerdas se encuentra toda la fuerza expresiva, gracia y musicalidad de P.I. Tchaikovsky. El segundo movimiento, Tempo di valse, es uno de los más populares.  Sigue el mismo esquema utilizado por nuestro compositor para sus grandes ballets, aunque termina en un pianissimo que conduce al oyente al silencio necesario para dar comienzo a la Elegia. Su motivo, construido sobre el pasaje ascendente de una escala, crea una atmósfera no necesariamente elegíaca de esta pieza.

Estas son las partes que la componen:

  • Pezzo in forma di sonatina: Andante non troppo – Allegro moderato
  • Valse: Moderato – Tempo di valse
  • Élégie: Larghetto elegiaco
  • Finale (Tema russo): Andante – Allegro con spirito

Podemos oír y escuchar en el vídeo la segunda parte de esta serenata: el vals.

Las arrugas


Era un día soleado de otoño la primera vez que Bárbara se fijó en que el abuelo tenía muchísimas arrugas, no sólo en la cara, sino por todas partes.Abuelo_y_nieta

– Abuelo, deberías darte la crema de mamá para las arrugas.

El abuelo sonrió, y un montón de arrugas aparecieron en su cara.

– ¿Lo ves? Tienes demasiadas arrugas

– Ya lo sé Bárbara. Es que soy un poco viejo… Pero no quier o perder ni una sola de mis arrugas. Debajo de cada una guardo el recuerdo de algo que aprendí.

A Bárbara se le abrieron los ojos como si hubiera descubierto un tesoro, y así los mantuvo mientras el abuelo le enseñaba la arruga en la que guardaba el día que aprendió que era mejor perdonar que guardar rencor, o aquella otra que decía que escuchar era mejor que hablar, esa otra enorme que mostraba que es más importante dar que recibir o una muy escondida que decía que no había nada mejor que pasar el tiempo con los niños…

Desde aquel día, a Bárbara su abuelo le parecía cada día más guapo, y con cada arruga que aparecía en su rostro, la niña acudía corriendo para ver qué nueva lección había aprendido. Hasta que en una de aquellas charlas, fue su abuelo quien descubrió una pequeña arruga en el cuello de la niña:

– ¿Y tú? ¿Qué lección guardas ahí?

Bárbara se quedó pensando un momento. Luego sonrió y dijo

– Que no importa lo viejito que llegues a ser abuelo, porque…. ¡te quiero!

De:Pedro Pablo Sacristán

Y ahora, para redondear esta entrada en homenaje  a nuestros queridísimos abuelos a los que dedicamos este día 26 de julio, podemos oír este Divertimento nº 17 en Re mayor de nuestro ya conocido W. A. Mozart:

El divertimento es una forma musical que fue muy popular durante el siglo XVIII, compuesta para un reducido número de instrumentos. Los divertimentos solían mostrar un estilo desenfadado y alegre (en italiano,  divertimento significa ‘diversión’). En francés se llamaba divertissement, y su plural en italiano era divertimenti.

Fueron Haydn y Mozart quienes más utilizaron este tipo de composición.

En la pieza que nos ocupa podemos oir: contrabajo, violonchelo, corno, viola, violín y orquesta.

El bombo


El bombo es un instrumento musical de percusión membranófono,  es un tambor de gran tamaño: 70 cm de diámetro por 40 cm de altura. De afinación bombo indeterminada, consiste en una caja cilíndrica de madera cerrada por sus extremos por dos membranas (de piel o de plástico) sujetas mediante aros opuestos con los que es posible regular su tensión. Se golpea con un mazo de cabeza de corcho o de fieltros, utilizándose dos mazos para los redobles. El sonido que produce es grave y potente.

El sonido del bombo es de una gran contundencia y poder en los fortísimo, delicado en el medio-fuerte y de sensualismo y misterio en el piano y pianísimo. Debido a la gran resonancia de este instrumento, el percusionista pone la mano en el parche a la hora de tocar para apagar las vibraciones resultantes. Podemos obtener un sonido seco y contundente si percutimos en el centro del parche; por otra parte, si percutimos a dos tercios del radio obtenemos un sonido más amplio.

Con el nombre de atabal y transportado a la espalda de un hombre para que lo tocara otro situado detrás, fue durante la Edad Media el instrumento indispensable en las fanfarrias, uso que aún perdura en nuestros días colgándolo de una correa que pasa detrás del cuello. Fue introducido en la orquesta en el S.XVIII utilizándose en obras de carácter descriptivo y pintoresco, como en el Rapto del Serrallo de Mozart.

Es muy utilizado en la batería de percusión que suele acompañar el rock & pop moderno, así como en las bandas musicales.

También resulta común en la música folclórica latinoamericana, especialmente la de la región andina, aunque su tamaño y nombre varía de zona en zona, como por ejemplo las cajas o tinyas de la zona del altiplano boliviano, norte de Argentina y Chile, consistentes en cilindros de escasa altura.

Gustav Mahler escribió esta preciosa Quinta Sinfonía durante el verano de 1901 (Movimientos primero y tercero) y de 1902 (Los otros tres restantes). Fue estrenada el 18 de octubre de 1904 en Colonia bajo su dirección y fue realizando modificaciones en la partitura hasta 1909.

Ver 5ª Sinfonía Mahler

Tocan en ella: 4 flautas, 3 oboes, 3 clarinetes, 3 fagots, 6 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, bombo, platillos, glockenspiel, arpa y la sección de cuerda.

Dura aproximadamente alrededor de una hora y diez minutos.

La obra puede dividirse en tres partes, aquí podéis oír un breve fragmento, el scherzo, tercer movimiento (en el que se puede oír el instrumento que nos ocupa) , interpretado por la Orquesta Sinfónica de Chicago y dirigido por Sir George Solti:

Charles Camille Saint-Saëns


Saint-Saëns nace en el Barrio Latino de París el 9 de octubre de 1835 y murió en Argel, el 16 de diciembre de 1921. Fue un compositor francés. Perdió su padre c3d0357d8f3ed366697c27102bb05f3c9uando contaba solamente cuatro meses, y recibió la primera formación musical de su madre y de su tía; se mostró tan precoz en tal aspecto que a los cinco años pudo ya componer para el piano. Fue confiado entonces a la guía del pianista Stamaty, el cual lo presentó como pequeño virtuoso del piano en 1845.

Estudió órgano y composición. En 1852 ganó un concurso con una Ode à Sainte Cécile; en 1853 fue nombrado organista de St. Merry, y en el año 1857 alcanzó el mismo cargo en la Madeleine; en 1861 obtuvo la cátedra de piano de la escuela Niedermeyer. Su primera obra teatral, Le timbre d’argent (1864-1865), no pudo llegar a la escena.

Tenía un temperamento batallador y enérgico, fundó en 1871 la Société Nationale de Musique, orientada concretamente al fomento de la ejecución y la difusión de la nueva música francesa. La iniciativa, a la cual se adhirieron, entre otros, Lalo, Franck, Bizet y Fauré, tuvo una gran importancia en sus aspectos de propulsión y organización. En 1872 Saint-Saëns pudo ver finalmente satisfechas sus aspiraciones escénicas: siquiera con escaso éxito, fue representada en la Opéra Comique su obra La princesse jaune.

A esta misma época pertenecen también algunas de sus producciones sinfónicas más importantes: los poemas La rueca de Onfalia (1871), Phaéton (1873), Danza macabra (1874) y La jeunesse d’Hercule (1877), en el que puede percibirse una intensa influencia de las obras análogas de Liszt; y los Conciertos segundo, tercero y cuarto para plano, en sol menor (1868), mi bemol mayor (1869) y do menor (1875), cuyo virtuosismo pianístico alcanza un alto nivel de perfección en cuanto a la forma y a la estructura, y de acuerdo con esquemas imponentes y grandiosos, pero generalmente poco profundos.

La jeunesse d’Hercule (I)

Saint-Saëns consideró siempre a El carnaval de los animales como un divertimento, de hecho su intención era la de ridiculizar a compositores e intérpretes de labrass_band época (tortugas, fósiles y pianistas). Después de su estreno, que tuvo lugar el martes de carnaval de 1886, el compositor prohibió que se publicara la partitura y que fuese interpretada en público La única pieza que se pudo interpretar fue El Cisne.

La Gran fantasía zoológica es una suite graciosa y ligera compuesta por 14 piezas en las que van desfilando los “instrumentos/animales” retratados por Saint-Saëns (tamaños, formas, onomatopeyas, recursos…). Los animales aparecerán escondidos entre los instrumentos de un conjunto formado por 2 pianos, un quinteto de cuerdas (dos violines, una viola, un violonchelo y un contrabajo), un xilófono y una armónica de cristal (pequeño instrumento de láminas metálicas que se hacen sonar con la presión de los dedos). Este instrumento se suele reemplazar actualmente por la celesta. Los instrumentos se van alternando para cada una de las piezas interpretando todos juntos sólo el fragmento final de la obra.

La jeunesse d’Hercule (II)

El aprendiz de brujo – Paul Dukas


 

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El aprendiz de brujo (también conocida como El aprendiz de hechicero o mago, L’Apprenti sorcier en francés) es la obra más popular del compositor francés  Paul Dukas. Está basada en la balada homónima de Johann Wolfgang von Goethe. Fue compuesta en 1897 y es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

La balada cuenta la historia de un viejo mago, cuyo aprendiz está deseoso de imitar a su maestro. El joven inexperto consigue dar vida a una escoba a la que le ordena traer agua. Pero pronto descubre que no sabe detener el proceso que ha puesto en marcha y que sólo corrige al final el viejo brujo.

Dukas se vale del fagot para dar vida al personaje de la escoba y de un crescendo dramático magistralmente conseguido para ilustrar las fuerzas incontroladas que desata el aprendiz e introducen el tema de la escoba acarreando agua.
La cuerda representa representa al aprendiz feliz o desesperado.
Unas fanfarrias presentan la impotencia del aprendiz para solucionar la situación creada.
Las trompas en terceras, la rotura de la escoba. Las idas y venidas de las escobas están descritas en forma de canon. El metal en pleno dice la fórmula mágica con que el brujo deshace la situación.

La popularidad de la pieza creció con el filme Fantasía (1940) de Walt Disney, en la que Mickey Mouse interpretó el papel del aprendiz.

El aprendiz de brujo

El otoño – Vivaldi


El concierto nº 3 «El Otoño» en fa mayor, es más conocido como “El otoño”.

Vivaldi compuso sus Cuatro estaciones basándose en cuatro sonetos. Este es el correspondiente al otoño:baco1

Celebra el aldeano con bailes y cantos
de la feliz cosecha el bienestar,
y del licor de Baco abusan tantos
que termina en el sueño su gozar.
Deben todos trocar bailes y cantos:
pues el aire templado da bienestar,
y la estación invita tanto a tantos
de un dulcísimo sueño a bien gozar.
Al alba, el cazador sale a la caza
con cuernos, perros y fusil, huyendo
corre la fiera, síguenle la traza;
Ya asustada y cansada del estruendo
de armas y perros, herida y amenazada,
harta de huir, vencida ya, cae muriendo.

Primer movimiento: Allegro

Los alegres campesinos celebran con danzas y cantos la recolección de la cosecha, musicalmente la danza esta escrita en un compás de 4/4 en donde las figuras rítmicas son iguales para el solista como para toda la orquesta, el cambio rítmico del solista en arpegios de dobles corcheas describe a un borrachín que después de varias travesuras al fin se queda dormido. Si ponemos atención podemos distinguir estas tres partes:

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  • El baile y el canto de los campesinos – La orquesta interpreta una bella y sencilla melodía de carácter bailable que servirá de trama principal y funcionará como estribillo entre las diferentes intervenciones de la orquesta o el solista. La misma melodía se repite pero esta vez una octava baja. Un segundofiesta_guajira_01 fragmento de la melodía, a modo de respuesta a un enunciado, hace su aparición en la orquesta. El fragmento anterior desemboca ahora en la reexposición de la melodía principal, que igualmente se repite con menos intensidad (piano). El violín solista interpreta con dobles cuerdas la melodía a dos voces, intentando evocar el canto alegre y distendido de los campesinos. El bajo continuo dibuja la base armónica de la danza. Se repite siempre como si de una respuesta (en piano) se tratase. Un nuevo motivo inspirado en la melodía principal es interpretado (y repetido en piano) por el solista. El carácter bailable de este movimiento lo podemos apreciar a lo largo de todo el desarrollo temático. El tema principal es repetido, a modo de estribillo, por toda la orquesta. Primera incursión del solista presentando material melódico propio, basado principalmente en arpegios, la primera parte, y la segunda en escalas descendentes. La orquesta interviene con el motivo principal extraído del tema y siempre para dar paso al violín solista que desarrolla escalas y arpegios a gran velocidad. La orquesta reexpone el tema principal esta vez en una tonalidad diferente a la original (menor). Continúa el discurso con una progresión que nos conduce a la reexposición del tema, ahora en la tonalidad mayor original.
  • dibujo_de_borracho El borracho  – Vivaldi emplea el violín solista para describir a un borracho amigo del vino joven que nos proporciona el otoño. Escalas ascendentes y descendentes, florituras de todo tipo interpretadas por el solista con el discreto acompañamiento del bajo continuo. La orquesta reexpone el tema principal de la danza. Una nueva sección de la danza es presentada tímidamente por la orquesta. El borracho vuelve a hacer su aparición representado en las rápidas escalas del violín solista.
  •  El borracho dormido – La calma llega a este primer movimiento de «El otoño». Una melodía compuesta con figuras largas es interpretada por el solista queriendo describir la tranquilidad bucólica del borracho durmiendo. Se repite la melodía anterior, ahora desarrollada a partir de notas largas del violín solista y el acompañamiento de la orquesta, dibujando con rítmicas figuraciones la tranquilidad y profundidad del sueño. Reexposición del tema principal con toda la orquesta indicando el final del primer movimiento. Observamos en la instrumentación los diferentes colores que vemos en el otoño: ocres, verdes oscuros, amarillos y todo un abanico cromático propio de la estación otoñal, que Vivaldi nos describe a través de lánguidas melodías y tímidas intervenciones de la orquesta.

Segundo movimiento: Adagio molto

Los demás campesinos no dejan solo a este borrachín y lo acompañan en su embriaguez hasta que el vino y el sueño los vence.

  • Los borrachos dormidos – Todo en este movimiento es calma absoluta, los violines realizan motivos sobre frases descendentes y con sentido coral, siendo la armonía realizada por violas, chelos, contrabajo y el cémbalo, de forma arpegiada. En la tranquilidad del ambiente escuchamos la lenta respiración de los borrachos dormidos.
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  • Progresión – Un acorde de los violines nos indica que estamos en una progresión armónica: escuchando atentamente cada uno de sus tonos podemos lograr que nos transporte al ambiente otoñal después de la fiesta donde todos duermen la borrachera de vino y alegría.

Tercer movimiento: Allegro

Llenos de gran entusiasmo y acompañados por los ladridos de sus perros y el sonar de sus cornos los cazadores se dirigen al bosque. Aquí, en este tercer 20050219dasdaimas_4_I_SCOmovimiento seguro que podréis imaginar:

  • La caza  – Exposición del tema principal (estribillo) de la caza con toda la orquesta. El movimiento inherente a la rítmica de este tema evoca a los cazadores  que en el alba se dirigen con trompas y perros a realizar su labor. Un paso modulante nos conduce al segundo tema presentado por los violines. La melodía  de este segundo tema nos recuerda el primer concierto dedicado a la primavera. La frase se interpreta primero en forte y ahora piano. El primer tema vuelve a ser expuesto por la orquesta a modo de estribillo. Hace su primera intervención el violín solista interpretando el segundo tema a dos voces (con dos cuerdas). El carácter rítmico de «la caza» se mantiene en todo momento. El estribillo vuelve a ser tocado por la orquesta para dar paso a otra variación del solista. En esta segunda incursión el solista opta por la realización de material ya expuesto, pero tras un paso modulante comienza un pasaje de verdadero virtuosismo, donde el solista despliega todo un repertorio de habilidades. La orquesta expone de nuevo el estribillo.
  • La fiera que huye  – El solista dibuja con su melodía la huida de la fiera tras la que van los cazadores, basada en una progresión melódica ascendente realizada en tresillos. El carácter descriptivo de la música alcanza aquí uno de sus momentos más significativos.
  • ZORRO Escopetas y perros de caza  – Escuchamos ahora el sonido de las escopetas y los ladridos de los perros realizados por cortas y decisivas intervenciones de las cuerdas. El solista ataca de nuevo, con escalas y arpegios, acompañado por la orquesta que, aunque sobria al principio, imita de nuevo el jaleo de los perros en la caza. La orquesta vuelve a realizar el estribillo de la caza. El solista basa de nuevo su intervención en una progresión melódica de tresillos ascendentes y descendentes que nos muestra el agitado ambiente de la caza. Nueva aparición del estribillo tras la cual el solista de nuevo interviene, ahora con rápidas figuraciones melódicas que simulan la fiera mal herida que se revuelve ante el dolor producido por los disparos de los cazadores. Por último escuchamos el rumor de los perros.
  • Muere la fiera mientras huye – El solista entra ahora con vertiginosas escalas descendentes acompañado por el motivo de los perros en la orquesta, que representa la caída mortal del animal herido. El solista se revuelve entre notas ajenas a la tonalidad para caer después de un trino en el segundo tema. El animal está muerto y la caza concluye. La orquesta toca el segundo tema que conduce a la reexposición final. Estas intervenciones finales no se encuentran del todo en relación con el sentido dramático de la obra, ahora son exigencias formales de la obra y de las que el compositor no puede prescindir. Reexposición del primer tema y conclusión del concierto.