Sinfonía nº 7 en La Mayor – Ludwig van Beethoven


La Sinfonía n.º 7 en La mayor (Opus 92) de Ludwig van Beethoven fue compuesta en 1811, tras cuatro años de descanso sinfónico desde la Pastoral (SextaMoritz Reichsgraf von Fries sinfonía),  cuando estaba en la ciudad bohemia de Teplice, intentando mejorar su salud (por entonces, aunque no era público, ya no oía). La obra fue finalizada un año después y se estrena inmediatamente bajo la dirección de propio Beethoven que se la dedicó al conde Moritz Reichsgraf von Fries, su mecenas o protector.

La obra fue estrenada en Viena el 8 de diciembre de 1813 durante un concierto de caridad para los soldados heridos en la Batalla de Hanau. Fue Beethoven quien dirigió, en su estreno, una orquesta llena de grandes músicos como Louis Spohr, Giacomo Meyerbeer, Johann Nepomuk Hummel, Ignaz Moscheles, Domenico Dragonetti, Andreas Romberg y Antonio Salieri, el segundo movimiento gustó tanto que tuvo que ser repetido a petición del público. La pieza fue muy bien acogida por la crítica del momento.

Tiene cuatro movimientos:

I. Poco sostenuto — Vivace
II. Allegretto
III. Presto
IV. Allegro con brio

El primer movimiento está escrito según la forma sonata y en el predominan los ritmos danzables y alegres.

El segundo movimiento, en La menor, es Allegretto, haciéndolo más lento sólo en comparación con los otros tres movimientos. El primer tema comienza solo con las cuerdas. A medida que avanza el movimiento se van introduciendo los demás instrumentos de la orquesta hasta llegar al tutti en fortísimo. Estoy segura de que a muchos os suena de otras versiones no orquestales.

El tercer movimiento es un scherzo que sigue la forma ternaria. Esta forma es tocada dos veces.

El último movimiento también presenta la forma sonata. Se piensa que parte de este movimiento puede representar una fiesta o la furia del dios Baco.

La Séptima Sinfonía de Beethoven, influyó en obras de compositores posteriores como en la Gran Sinfonía en C Mayor de Schubert, o la Sinfonía Italiana de Mendelssohn, Harold en Italia de Berlioz o la Sinfonía en C de Wagner. El propio Wagner dijo de ella que representaba «la apoteosis de la danza».

Parte de: Wikipedia.

Plácido Domingo Embil


domingo_placido

Nació el 21 de enero de 1941 en Madrid. Hijo de los conocidos cantantes de zarzuela Plácido Domingo y Pepita Embil, por razones profesionales sus padres se radicaron en México donde sus padres tenían su propia compañía lírica, en la cual el joven cantante de ópera dio sus primeros pasos como barítono. En este país pasó su infancia y adolescencia y adquirió una formación musical muy completa (empezó a tocar el piano con 8 años), ya que no sólo aprendió canto sino dirección orquestal con Igor Markevitch en el Conservatorio Nacional Mexicano.

Mientras cursaba sus estudios primarios empezó a estudiar solfeo con el maestro Manuel Barajas y subió varias veces a interpretar papeles de niño en algunas obras. Aunque su voz todavía no estaba formada, comenzó a cantar zarzuelas como barítono.

Su temperamento le llevó, en los años siguientes, de una actividad a otra: fue jugador de fútbol, quiso ser torero, intervino en comedias musicales, acompañó a cantantes en salas de fiestas y recibió alguna que otra oferta para hacer cine. Su amigo Manuel Aguilar le sugirió que probase suerte en la ópera, y aunque pensaba que no tenía voz para ello, Plácido aprendió varias romanzas y dio una audición en la Academia de la Ópera de México.

Su voz potente y dramática le ha permitido especializarse en la gran ópera francesa e italiana del siglo XIX (Bizet, Saint-Saëns, Verdi, Puccini). Convertido en una de las figuras más importantes de la lírica mundial, cantó en los principales escenarios con un repertorio de más de 70 papeles, abarcando, además de los anteriores nombrados, a Donizetti, Wagner y Strauss.

En 1958, se convierte en arreglista e hizo los coros de los músicos de rock and roll Enrique Guzmán y César Costa, en su banda Los Black Jeans.

El pianista hebreo mexicano José Cahan le informó que en el Teatro de la Ópera de Tel Aviv necesitaban un tenor, una soprano y un barítono; Plácido habló con su mujer, Marta Ornellas (también cantante de ópera), y juntos marcharon a Israel el 21 de diciembre de 1962. Aunque el contrato era por seis meses, permanecieron dos años y medio. El tenor participó en 280 funciones y su esposa en 150, hasta que ella abandonó la carrera en favor de su marido y su familia.

De su estancia en Tel Aviv arranca su repertorio y su consolidación como tenor.

El 1 de enero de 1966 debutó en el Liceo de Barcelona con La mulata de Córdoba, del compositor mexicano José Pablo Moncayo, y a partir de ahí sus estrenos se contaron por éxitos, tanto en la Metropolitan Opera House en 1968 como al año siguiente en la Scala de Milán y en el festival de Verona, período que culminó con la triunfal acogida que tuvo su incorporación del papel de Cavaradossi, de Tosca, en el Covent Garden de Londres, en 1971.

En la década de los noventa, junto con José Carreras y Luciano Pavarotti, forma la célebre sociedad artística de “Los Tres Tenores” con el motivo del Mundial de fútbol Italia 1990. Con esta sociedad actuó en numerosos en macroconciertos.

A partir de 1973, y cada vez con mayor frecuencia, ha practicado también la dirección de orquesta.

Desde 1993, trabaja en la creación del más renombrado concurso de canto, Operalia, y en la dirección artística de Los Angeles Music Center Opera y de la ópera de Washington

Se mantiene como una de las mayores figuras de la ópera internacional, siendo posiblemente el tenor más popular y uno de los cantantes líricos con más amplia discografía: más de 100 grabaciones, 50 videos de ópera y tres películas sobre: «La Traviata» (de 1983), «Otelo» (1986) y «Carmen» (1984).

¿Qué es la musicoterapia?


musica_metronomo

Por definición la musicoterapia es la curación mediante la música ( terapia= curación,tratamiento, y música= combinación de sonidos y ritmo)  . Pero, ¿así de simple?, no, la terapia mediante la música va mucho más allá, podríamos decir que este poder de la música se utiliza en la consecución de objetivos terapéuticos, manteniendo, mejorando y restaurando el funcionamiento físico, cognitivo, emocional y social de las personas. Podríamos decir que es a la vez un arte, una ciencia y un proceso interpersonal.

Según la American Music Therapy Association (AMTA):

“Es la utilización de la música y/o de los elementos musicales (sonido, ritmo, melodía y armonía) por un musicoterapeuta cualificado, con un paciente o un grupo de pacientes, en un proceso para facilitar y promover la comunicación, la relajación, el aprendizaje, la motricidad, la expresión, la organización y otros relevantes objetivos terapéuticos con el fin de satisfacer las necesidades físicas, emocionales, mentales, sociales y cognitivas.”

“»Es el uso de la música en la consecución de objetivos terapéuticos: la restauración, mantenimiento y acrecentamiento de la salud tanto física como mental. Es la aplicación sistemática de la música, dirigida por el musicoterapeuta en un ámbito terapéutico para provocar cambios en el comportamiento.”

La musicoterapia hace uso de sonidos, trozos musicales y estructuras rítmicas para conseguir diferentes resultados terapéuticos directos e indirectos a nivel psicológico, psicomotriz, orgánico y energético.

“La musicoterapia tiene su origen en la noche de los tiempos. Los primeros musicoterapeutas son los chamanes, médicos brujos tribales quienes comienzan a utilizar cánticos, salmodias, susurros y estructuras rítmicas repetitivas para inducir estados de conciencia a nivel colectivo con fines catárticos y religiosos. Se tienen evidencias del uso ritual de la música en casi todas las grandes culturas de la antigüedad. Los griegos (Pitágoras, Platón, Aristóteles …) y los egipcios nos cuentan acerca de los efectos psicológicos de diferentes escalas y modos musicales. De la misma manera, hindúes, chinos y japoneses antiguos, reconocen en sus ragas y modos pentatónicos, estructuras musicales aplicables a diversas actividades y estados de ánimo. A partir de tales tradiciones, durante el presente siglo se ha sistematizado el estudio de los efectos psicológicos y orgánicos de la música y se ha reconocido a la musicoterapia como vertiente terapéutica de valor concreto.”

Juan José Lopera

Médico y Terapeuta (Sintergética, Musicoterapia y Sanación)

musicoterapiaHay muchas disciplinas relacionadas con este método, psicología, psiquiatría, psicoterapia, educación especial, etc. y tiene diversas aplicaciones en muy distintos campos.

Uno de los usos cotidianos más simples y difundidos de la musicoterapia es la regulación del estado de ánimo. Se utilizan trozos musicales para alegrarnos en la depresión o para calmarnos en medio de estados de excitación producidos por la rabia, el estrés o el temor.

También se pueden utilizar trozos musicales para mejorar el aprendizaje, ejercicios rítmicos para mejorar la coordinación y la resistencia física. La música, bien empleada, puede facilitar el contacto con bloqueos emocionales concretos y producir la catarsis necesaria para la resolución del conflicto.

Se ha comprobado como la música es capaz de afectar notablemente a la actividad cerebral y por tanto afectar a los patrones cognitivos, y a las funciones vegetativas (frecuencia cardiaca, ritmo respiratorio, etc). También parece ejercer una cierta influencia en la capacidad de aprender y en la estimulación psicomotriz.

Beneficios de la musicoterapia en los niños

Todo lo que es música, para un niño, siempre es positivo. Pero debemos tener en cuenta que ésta debe ser siempre adaptada a sus oídos, a su capacidad demusicoterapia1 escucha; a su edad.

A un niño, la musicoterapia le puede ir muy bien para mejorar el aprendizaje, la coordinación, controlar la ansiedad y mejorar el estado de ánimo, entre otros. Pero, sobre todo para ayudarle a organizarse a nivel interno. La influencia de la música es mucho mayor de lo que creemos.

Cuanto antes se exponga la música al niño más beneficios le aportará, sea como terapia o sea como uso lúdico. De hecho, el uso de canciones para enseñar habilidades académicas, sociales y motoras a niños pequeños se ha convertido en una práctica común para algunos profesores y educadores de música y, por supuesto, para muchos musicoterapeutas de los Estados Unidos.

Hay muchos estudios que demuestran que la música y sus componentes producen patrones de actividad eléctrica cerebral. Esto lleva a una mayor eficacia a nivel del funcionamiento del cerebro no sólo como rector de los procesos cognitivos sino también como regulador de las funciones vegetativas del organismo.

 musicoterapia3 Logrando una estimulación musical en la que participen activamente se promueve el desarrollo físico, mental, intelectual, sensorial y afectivo de los niños. Esto repercutirá favorablemente sobre otros de los objetivos educativos a los que se aspiran tales como la atención, la concentración, colaborando en el desarrollo de la imaginación y la creatividad así como en la desinhibición.

Con este tipo de actividades se busca desarrollar también la coordinación motriz, el movimiento, la marcha, lograr cierta discriminación auditiva; y que adquieran destrezas y medios que le mejoren la expresión oral, perfeccionando la articulación, vocalización, el control de la voz, incluso se logra mejorar la respiración y el funcionamiento de los órganos que intervienen en ella.

Se refuerza la autoestima y la personalidad mediante la realización personal, y se acentúan pautas de conducta que facilitan su integración social y liberan la energía reprimida.

También es efectiva para la recuperación de los bebés hospitalizados en cuidados intensivos.

Algunas piezas de música clásica y autores propios para musicoterapia:

He enlazado las piezas que  ya están incluidas en este blog, el resto las iré insertando poco a poco.

Obras relajantes:

Beethoven: Minueto, Sinfonía heroica, Para Elisa, sonata Claro de Luna

Brahms: Vals op.39 N15,Canción de cuna

Bach: Largo de concierto en la suite en si bemol, concierto de Brandemburgo.

Bach: Aria en sol

Pachelbel: Canon

Schubert: Sinfonía inacabada, Ave María

Vivaldi: Concierto para oboe

Mozart: Concierto nº 3 para violín

Chopin: Tristeza

Albinoni: Adagio

Saint-Saëns: Carnaval de los Animales

Offenbach: Barcarola

Tchaikowsky: Sexta sinfonía

Debussy: El mar, Claro de Luna

Wagner: Preludio de Parsifal

Fajerman: Flowers of Love

Stivell: Renacimiento del arpa

Haendel: Música acuática

Obras Estimulantes:

Wagner: La gran marcha de Tannhauser, el final de los Maestros cantores, la Obertura de Rienzi

Boccherini: Minuetto

Mozart: Minueto Don Juan

Borodin: El Príncipe Igor

Popular escocesa: Días Lejanos

Popular napolitana: Santa Lucía

Obras energizantes:

Elgar: Pompa y Circunstancia

Verdi: Marcha triunfal de Aida

Tchaikowsky: Marcha Eslava

Mozart: Marcha Turca, Las Bodas de Fígaro, Serenata, Sinfonía Júpiter

Faure: In Paradisum

Toselli: Serenata

Rossini: Obertura de Guillermo Tell

Schubert: Momento musical

El trombón


¿Cómo se hace el trombón?

 

El trombón es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-metal, con un registro más grave que el del corno.

El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).

Consta de la boquilla acoplada a un tubo cilíndrico con forma de U, de aproximadamente 3 metros de largo, doblado sobre sí mismo y conectado a una sección cónica que se ensancha en forma de campana.

La sección telescópica (tubo móvil o vara) hace posible variar la longitud del tubo, y por lo tanto alterar la frecuencia resonante. El trombón es el único instrumento, además de la familia del violín, con los cuales es posible obtener una frecuencia continua deslizante de un lado a otro del rango de frecuencias de la fundamental.

trombon

Partes del trombón:

  1. Deslizador de afinación
  2. Boquilla
  3. Corneta
  4. Liberador de agua
  5. Manopla principal
  6. Puente
  7. Puente
  8. Traba de deslizamiento

El tono se determina según la posición de la vara, los labios del músico y la presión de aire; por lo tanto, el instrumentista debe tener un agudo sentido del tono y la habilidad requerida para producir la nota correcta, casi, instantáneamente. Esto implica que la nota debe ser creada por el músico y no que viene dada servida por el instrumento.

En la familia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños, se puede clasificar según el sonido particular que emite y por tanto las notas y claves que le cambia la altura de las notas utilizando un sistema de válvulas y pistones. El sonido es distinto y exagera cualquier imprecisión en la entonación. trombon-varas

Según su tamaño
  • Trombón soprano
  • Trombón alto
  • Trombón tenor (usual)
  • Trombón bajo
  • Trombón contrabajo
  • Trombón Buccin

En la orquesta se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo.

El trombón, como los otros instrumentos de viento, tuvo su origen en la barra hueca y los cuernos de los animales

Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa y desde el siglo XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica contribuyendo a ello tanto Berlioz como otros compositores importantes de la época y,fue Wagner, quien le dio una posición estable.

Durante el siglo XVIII el acampanamiento del pabellón del trombón se hizo más pronunciado y los soportes móviles se sustituyeron por abrazaderas firmemente soldadas. La primera parte del siglo fue también testigo de un declive general en la utilización del instrumento. Pero esta tendencia se invirtió a finales del siglo, cuando las bandas militares encontraron útil el trombón y cuando sus asociaciones eclesiásticas y sobrenaturales lo introdujeron en las óperas de Gluck y Mozart.

Nuestro instrumento tiene un uso cada vez más adentrado en el jazz, en el que, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas, así como en géneros diferentes como el reggae, salsa, cumbia etc. lo que se pensó como un instrumento 100% clásico, se ha podido adaptar a través de los años en estos diversos géneros.

 
 
 

Christoph Willibald von Gluck


Aunque Christoph Willibald von Gluck cuenta con una fama muy limitada, hay que tener en cuenta que estamos ante una de las Gluckfiguras claves en la historia de la ópera. Orfeo y Eurídice son representados en todas partes del mundo.

Nació en un pequeño pueblo alemán cerca de la frontera con el Imperio Austro-Húngaro en 1714, era hijo de un inspector forestal, tuvo una infancia difícil,  apenas un adolescente, debido a su carácter inquieto, se fugó de casa, ganándose el pan como músico ambulante. Posteriormente se reconcilió con su padre y estudió en la universidad de Praga.

Durante muchos años compuso óperas italianas de corte bastante tradicional, conocía muy bien este género ya que había estudiado música en Milán. Sin embargo, la importancia de Gluck se debe a que propugnó la primera gran reforma de la ópera (la segunda correspondería a Ricardo Wagner un siglo después).

Con su reforma Gluck pretendía que la ópera fuera capaz, sin despistar al espectador, de transmitir la nobleza de drama clásico por encima de los aspectos superficiales, es decir, buscaba equiparar la ópera a la tragedia griega. Es definitiva, lo que compositor pretendía era realizar la transición musical del arte barroco al neoclásico.

La primera «ópera reformada» fue Orfeo y Euridice.

A pesar de que Gluck fue muy popular y recibió grandes honores en su tiempo, muchísimos más que Mozart, pasó al olvido durante el siglo XIX y fue durante el pasado siglo XX cuando se produjo una revitalización de su obra, sobre todo después de la Segunda Guerra Mundial.

Cuelgo la obertura de Orfeo y Eurídice: