Johann Sebastian Bach


Resumiré lo más brevemente posible la vida de este genial compositor del barroco:

bach Johann Sebastian Bach nació el 31 de Marzo de 1685 en la ciudad de Eisenach (Alemania), en el seno de una familia de destacados músicos y compositores (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados), muere en Leipzig el 28 de julio de 1750. Fue un organista y compositor. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Su carrera que puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).

Sus padres, Johann Ambrose Bach (era un talentoso violinista y trompetista) y Lizabeth Lammerhirt, estimularon sus tempranas dotes musicales. Fallecieron cuando él tenía aproximadamente 10 años así que se fue a vivir con su hermano Johann Cristopher, organista en San Miguel de Ohrdruf y quien se ocupara en lo sucesivo de su educación musical y le enseñará a tocar el clavicordio. El niño era aplicado, serio e introvertido. Además de la música, sentía una viva inclinación por la lengua latina, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con su carácter, y por la teología. Estas materias, tamizadas por una intensa educación luterana, acabarían por modelar completamente su personalidad y convertirse en los sólidos fundamentos de su existencia y de su fuerza creadora. Aparte del órgano y del clavecín, también aprendió a tocar el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música, de renombre.JS Bach

A los catorce años, Bach, junto a su amigo del colegio Georg Erdmann, mayor que él, fue premiado con una matrícula para realizar estudios corales en la prestigiosa Escuela de San Miguel en Lüneburg. Además de cantar en el coro a capella, es probable que tocase el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente aprendió francés e italiano, recibiendo formación en teología, latín, historia, geografía y física.

En el año 1703 lo encontramos ocupando el puesto de organista del templo de San Bonifacio de la cercana ciudad de Arnstadt. Se estima que por esta época realiza un viaje para conocer al compositor Buxtehude. En el año 1707 se casa con su prima María Bárbara con quien vive felizmente y tendrá siete hijos. En 1708 se traslada a ocupar el puesto de «Organista de corte» a la ciudad de Weimar llegando al puesto de «Konzertmeister» en el año 1714, lo que le proporcionó la estabilidad necesaria para abordar la creación musical. Se cree que en los años que paso en la corte de Weimar es cuando compuso la mayoría de sus obras para órgano puesto que desempeñaba funciones de organista de la capilla, Kammermusicus, violín solista, director del coro y maestro suplente de capilla. Allí conoció y transcribió la obra de los compositores italianos (Corelli, Albinoni o Vivaldi), formó a alumnos, como su sobrino Johann Bernhard y Johann Tobias Krebs, y trabó una estrecha amistad con el maestro Johann Gottfried Walther, quien enriqueció su arte del contrapunto y de la coral. Pero las intrigas teológico-palaciegas enfrentaron a Bach con el duque, quien llegó a encarcelar cuatro semanas al compositor cuando se enteró de que Bach había obtenido el nombramiento de maestro de capilla del príncipe Leopold de Köthen sin solicitar su autorización previa.

En el año 1717 abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandenburgo, el primer libro de “El clave bien temperado” (una colección de preludios y fugas en todas las claves), las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo. En julio del año 1720 muere su esposa Bárbara, Bach se sumió entonces en un profundo abatimiento.

JS-Bach(w) Al año siguiente contrae matrimonio con Anna Magdalena Wilcken, hija menor del trompetista de la corte, Caspar Wilcken. Para la mentalidad y necesidades de un viudo de aquel tiempo, con cuatro hijos menores a su cargo, nada había de extraño en un rápido segundo matrimonio, que efectivamente recibió la aprobación general. Además, Anna Magdalena era una intérprete aventajada, bien dotada para el canto, que profesó toda su vida una ejemplar devoción por Johann Sebastian, convirtiéndose con el tiempo en la cronista de la familia Bach; están en deuda con ella todos los biógrafos posteriores. Supo comprender y compartir el complejo mundo espiritual de su marido y lo ayudó como eficiente copista de sus partituras. Fue otro matrimonio feliz del que nacerían trece hijos; el benjamín fue Johann Christian, el músico cuyas composiciones tanto influirían en el primer Mozart. Por segunda vez en su vida Bach tuvo la fortuna de encontrar una compañera ideal.

La muerte del Kantor de Leipzig en 1722 le brindó al compositor la esperada oportunidad para dedicarse a la composición sacra. La obtención de la plaza no le resultó fácil: fue primero concedida a Telemann, luego a Graupner y sólo en tercer lugar a Johann Sebastian. Para conseguirla, Bach tuvo que aceptar gravosas condiciones, no tanto económicas cuanto laborales, pues, además de sus funciones religioso-musicales en las iglesias de Santo Tomás y de San Nicolás, debía hacerse cargo de tareas pedagógicas en la escuela de Santo Tomás (entre ellas la enseñanza del latín), que le produjeron notables sinsabores.

Sólo su vida familiar le proporcionaba estabilidad y alegrías. Siempre respaldado por su mujer y por una íntima certidumbre en la validez de su genio, pudo hacer frente a las adversidades sin perder ni un ápice de su poder creativo ni caer víctima de la apatía. Infatigable ante sus obligaciones como padre y como músico, Bach nunca desatendió a ninguno de sus hijos, ni interrumpió la ardua tarea de ampliar sus conocimientos copiando y profundizando en las partituras de sus antepasados.

Un año antes de su muerte pierde totalmente la vista, se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años. Un ataque de apoplejía puso fin a su vida.

Seguro que conoceis este Minuet en sol mayor:

El contrabajo


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Este instrumento es el más grande y más grave de la familia de cuerda, se clasifica como el mas grave en cuanto a su sonido, dentro de los cordófonos.contrabajo pizzicato
En mucho mayor tamaño, tiene por lo general cuatro cuerdas afinadas por cuartas ascendentes (Mi-La-Re-Sol, desde la 4ª cuerda, más grave, a la 1ª, más aguda), o también los de cinco cuerdas, que la quinta cuerda se afina en un Do o Si mas grave que la cuarta cuerda.

Es de madera de abeto y de arce y el diapasón y el cordal es de ébano, y para la vara del arco se utiliza madera de pernambuco.

Se toca con un arco, el sonido es producido cuando ese arco pasa por encima de las cuerdas. Es preciso que dicho arco tenga resina, ya que sin la resina no se produciría sonido alguno. Así mismo se puede tocar con la yema de los dedos, técnica conocida como pizzicato. Hasta el siglo XIX los contrabajistas usaron arcos con la vara curvada hacia afuera en relación con el encerdado; mucho después de que fuera normal el arco curvado hacia adentro en el violín, la viola y el violonchelo. El arco antiguo sigue en uso junto a los arcos modernos desarrollados en el siglo XIX.

Mide entre 70 y 72 cm. Es la pica, la que le da la altura necesaria.

El contrabajo es un instrumento transpositor y todas las notas escritas suenan una octava más baja de lo que se escriben. La música que se toca con este instrumento está en clave de fa en cuarta. El escribir una octava más alta que el sonido real, es claramente necesario para evitarse líneas adicionales debajo de los pentagramas.

Las cuerdas del contrabajo son tan largas y tan gruesas que las clavijas corrientes, usadas en otros instrumentos de cuerda, no son lo bastante robustas. Así pues se utilizan clavijeros mecánicos. Algunos contrabajos tienen hoy en día cinco cuerdas. Esta cuerda extra baja hasta Do, una tercera mayor debajo del Mi inferior.

Al igual que los mas pequeños de su familia, las cuerdas se frotan con un arco o bien se utiliza presionándolas con las yemas de los dedos.
DavidKcartoonincolourforweb_000Data del siglo XVI, pero al no tener una forma definida, terminó a fines del siglo XIX adoptando la forma del violín y la viola.
Los hombros son más caídos que los de la viola y, la parte posterior del instrumento es más plana. Esto permite al contrabajista, que debe estar de pié o sentado en un taburete alto, alcanzar todo el instrumento y, en particular, poder tocar las notas al final de la tastiera, cerca del puente. Hacia finales del siglo XVIII el contrabajo tenía tres cuerdas generalmente afinadas en: La, Re, SOL.

Hubo contrabajos de diferentes tamaños denominados genéricamente violones. En el siglo XVII se presenta un ejemplar con cinco cuerdas, hombros estrechos y voluminosa panza. En aquella época predominan dos tipos de contrabajos: uno sin trastes, con cinco cuerdas y voluta (familia de los violines) y otro de seis cuerdas (familia de las violas), con diapasón trasteado, oídos generalmente en forma de C, espalda plana y cabeza tallada. En 1722 se presenta un contrabajo de la familia del lirone al que llaman accordo.

Su uso no se generalizó en la orquesta hasta principios de siglo XVII, cuya función era sonar a la octava inferior del violonchelo ya que su sonido es potente y se oye mejor que otros instrumentos de la época, por ejemplo el clave.

Sus orígenes se remontan al siglo XVI, época en la que ya existía un instrumento llamado violone del cual parece derivar. Sin embargo, hasta el siglo XIX no adoptó la forma y las características actuales, una combinación de elementos propios del violín y de la viola da gamba. También durante ese siglo se incorporó definitivamente a la orquesta, en la que desempeñaba un papel secundario: se limitaba a reforzar contrabajo1la parte del violonchelo. Las dificultades de la interpretación derivadas de su gran envergadura limitaron su salto a los escenarios. A pesar de todo, a finales del siglo XVIII y durante todo el siglo siguiente algunos compositores depositaron su confianza en el instrumento, que se fue ganando el respeto de músicos y de  público. Hubo que esperar a la segunda mitad del siglo XX para asistir al verdadero auge del contrabajo de la mano de instrumentistas, pedagogos y, sobre todo, del jazz, que brindó la oportunidad de lucirse en solitario y posibilitó la adopción de nuevas técnicas interpretativas.

Como he dicho antes, podemos afirmar que el contrabajo deriva de una combinación de elementos propios del violín y de la viola da gamba. Del primero conserva, entre otros, las características aberturas de resonancia en forma de “f”, la inclinación hacia atrás del mango, el número de cuerdas –generalmente cuatro- y la terminación en voluta del clavijero. De la viola da gamba, el contrabajo ha heredado el cuerpo con ángulos discretos, el adelgazamiento central y los hombros caídos.

Hoy en dia es imprescindible dentro de la orquesta, ya que de el se pueden adoptar sonidos más graves, apoyando a los agudos, como lo son el violín y la viola. El contrabajo se usa en muchos tipos de música: jazz, rock, clásica, tango….cada ámbito ha desarrollado técnicas de interpretación particulares.

¡Vamos a oír cómo suena un contrabajo! Espero que os guste este 3º movimiento del concierto para contrabajo de Bottesini:

Giovanni Bottesini nació en Crema,Lombardía, el día 22 de diciembre de 1821 y murió en Parma el día 7 de julio de 1889. Fue un compositor italiano y uno de los primeros contrabajistas virtuosos de la época. Bottesini tocaba con un contrabajo de 3 cuerdas afinadas un tono arriba (afinación solista).

El violonchelo


violonchelo1Según la Real Academia Española de la Lengua se puede denominar chelo, violoncelo o violonchelo (con preferencia de este último). En algunos países, sin embargo, se utiliza también la palabra italiana violoncello (pronunciada como en italiano: violonchelo), que no está aceptada oficialmente. En italiano también se abrevia cello (chelo). Según la Academia, el ejecutante de violonchelo se llama violonchelista, violoncelista o chelista. La palabra proviene del termino italiano violoncello que significa «violón del cielo«.viola de gamba

Forman parte fundamental en la orquesta.

Este instrumento cordófono (que produce el sonido por la vibración de las cuerdas) representa el bajo de la familia del violín, apareció poco después de éste, alrededor de 1560. Los bajos de la viola da braccio, construidos por los Amati, Gasparo da Saló y Maggini en las últimas décadas del siglo XVI son verdaderos violonchelos, cuya forma, derivada del violín, los distingue de los bajos de las otras familias de instrumentos de arco.

celista Es un instrumento de cuerda que está entre la viola y el contrabajo. Mide 75 cm. de longitud, se toca con un arco, el instrumento apoyado en el suelo y sujeto entre las piernas del violonchelista.

Las partes del violonchelo son las mismas que las del resto de instrumentos de cuerda frotada. En la parte inferior lleva una pieza de hierro llamada pica, cuya misión es fijar el instrumento en el suelo y regular la altura del mismo.

Es el instrumento de cuerda que tiene un mayor parecido a la voz humana. A pesar de su tamaño, es uno de los más versátiles y expresivos, su extensión sonora abarca tres octavas y media.

Es contemporáneo a su hermano menor, el violín, aunque se desarrollo a partir del 1500, y convivió durante un tiempo, con su antecesora, la viola da gamba (en la lámina de la derecha), que fue desapareciendo gradualmente y fue dejándole paso.

Desde principios de 1700, se ha convertido en uno de los instrumentos favoritos para interpretar solos. La primera música dedicada específicamente al violonchelo solista fue escrita en Italia alrededor de 1689 (Ricercari e canzoni, de Domenico Gabrielli, y Sonare, de Jacchini). Hay que llegar hasta Beethoven para que este instrumento sea apreciado en su justo mérito en la orquesta.

Su tono es rico y sonoro, y sus cuerdas altas tiene una cualidad melódica inconfundible. Se adapta perfectamente tanto a la intimidad de un cuarteto de cuerdas como a una orquesta.

Podemos oir en este instrumento la “Barcarola” de los Cuentos de Hoffman compuesta por Jaques Offenbach: