Franz Liszt


Franz Liszt

El próximo 22 de octubre se cumplen 200 años del nacimiento de Franz Liszt.

Liszt-Franz-19Franz Liszt nace en Doborján, cerca Sopron, Hungría y murió el 31 de julio de 1886 en Bayreuth, Alemania. Su padre, Adam, era un administrador para la familia Esteráis (la misma a la cual servía Haydn). Estudió con Antonio Salieri y Carl Czerny en Viena. El 20 de septiembre de 1823, la familia Liszt abandonó Viena para dirigirse a París. Por el camino, Liszt dio conciertos en Múnich, Augsburgo, Stuttgart y Estrasburgo para su sustento y el de su familia. En Miesich se consideraba que poseía un talento similar al de Wolfgang Amadeus Mozart cuando era un niño de 6 años. Finalmente, el 11 de diciembre de 1823, la familia llegó a París. Al día siguiente, Adam Liszt junto con su hijo fue al conservatorio de la ciudad, esperando que el niño fuera aceptado como estudiante. A los once años, el pequeño conoció a Schubert y Beethoven; durante su adolescencia y los años veinte vivió en París, una ciudad donde florecía el romanticismo y era una meca para los virtuosos. Cuando tenía 19 años y ya era aclamado, Liszt se aterró por el gran violinista Paganini, quien conducía a la audiencia a un frenesí por lo cual se sospechaba que había pactado con el diablo. El joven Franz estaba determinado a convertirse en el Paganini del piano. El se apartó del escenario de los conciertos durante unos años, practicando de ocho a doce horas diarias, y emergió como probablemente el mejor pianista de su tiempo. Para mostrar su incomparable maestría, Liszt compuso sus «Estudios trascendentales» e hizo versiones para piano de las piezas de violín de Paganini. En cierta ocasión escribió:

“Mi piano es mi alma, ya que mis diez dedos tienen el poder de reproducir las armonías que son creadas por cientos de compositores.”

composer_franz_liszt_1811_86_hi Una vez, tras la presentación orquestal de un movimiento de la Sinfonía Fantástica de Berlioz, Liszt tocó su propio arreglo para piano y generó un efecto más poderoso que la orquesta entera. Viajó infatigablemente por toda Europa entre 1839 y 1847, tocando principalmente su propia música para piano siendo aclamado sin precedentes.

Pero Liszt también buscaba reconocimiento como compositor. A los 36, abandonó su carrera como viajante virtuoso para ser director en Weimar, donde compuso muchas piezas orquestales (desarrollando una nueva e influenciante forma de programar música) y dirigió trabajos de contemporáneos como Berlioz, Schumann y Wagner. Generoso, enseñó a cientos de pianistas gratuitamente y proveyendo soporte musical y financiero, crucial para el éxito de Wagner. Además escribió críticas musicales y libros sobre la música de Chopin y Gipsy. En sus esfuerzos literarios fue ayudado por dos mujeres escritoras de la aristocracia: la Condesa Marie d’Agoult y luego, la Princesa rusa Carolyne Sayn-Wittgenstein. (Marie d’Agoult dejó a su marido para vivir con Liszt); ella y Franz tuvieron tres hijos, uno de los cuales, su hija Cosima, dejó a su propio marido para casarse con Richard Wagner). Liszt fue a Roma por estudios religiosos en 1861, y en 1865 se unió a las órdenes de santos menores, convirtiéndose en el Abad Liszt. En Roma, compuso oratorios y misas.

Durante sus últimos años, Franz viajó entre Roma, Weimar y Budapest, donde fue presidente de la nueva Academia de Música. Allí comenzó a escribir curiosas piezas de piano experimentales que prefiguraron algunos rasgos de la música del siglo XX

Es en este período último de su vida donde tuvo como resultado una modificación considerable en su estilo musical, abandonando su estilo virtuoso previo a favor de un enfoque composicional, absoluto y desolado.

Durante sus últimos años, Liszt dejó su romanticismo más o menos enteramente y se adelantó dirigiéndose, a la atonalidad del siglo XX. Esto sorprende especialmente considerando que él fue de hecho un arquetípico romántico de su tiempo en sus años tempranos. Si bien esos últimos trabajos fueron despreciados, el autor se ha convertido en una leyenda viviente.

El Gran Duque de Weimar dijo:

“Liszt fue lo que un príncipe debe ser”.

Brahms dijo:

“Quien no ha oído a Liszt no puede hablar de la ejecución del piano.”

Liszt fue un compositor muy prolífico, tiene una cantidad de obras innumerables, mencionaré algunas de las más conocidas:

  • Sonata en si menor (1853) a menudo es considerada su composición más grande para piano.
  • Rapsodias Húngaras
  • Sonata del Dante
  • Vals Mephisto
  • Polonesa brillante

¿A qué habéis oido alguna vez un fragmento de esta pieza?.  Sí, prestad atención y veréis como os suena:

Liszt, fue una persona que amó ayudar a otros músicos desconocidos, introduciéndolos en el ambiente musical o tocando sus obras. Entre ellos estuvo Chopin, de quien  se cuenta una anécdota en su presentación como pianista:

En un concierto, Liszt, pidió que apagaran los candelabros, diciendo que tocaría a oscuras. Comenzó a oirse entonces la música, y cuando el auditorio estaba embelesado escuchando, se fueron encendiendo las luces apareciendo Chopin interpretando una de sus piezas.

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Enrique Granados y Campiña


Nacido en Lérida  el 27 de julio de 1867  y muerto en el Canal de la Mancha el 24 de marzo de 1916, fue un gran pianista y compositor español. Era hijo de Calixto Enrique-Granados Granados Armenteros  nacido en la entonces provincia española de Cuba, que era capitán del Ejército de Navarra y Enriqueta Elvira Campiña nacida en Santander (Cantabria). Poco después de su nacimiento la familia se trasladó a Canarias al haber sido nombrado el padre Gobernador Militar de Santa Cruz de Tenerife. Los Granados permanecieron allí tres años y medio, que fueron suficientes para dejar huella en el pequeño Enrique. Granados recordaría en años sucesivos con inmenso cariño aquel tiempo en Canarias.

En 1874 su padre sufrió un grave accidente al caerse de su caballo, y las complicaciones de salud surgidas a raíz del percance llevaron a la familia a trasladarse nuevamente a la Península, esta vez a Barcelona.

Sus cualidades musicales se manifestaron ya desde la niñez, así que estudió los primeros elementos de solfeo y teoría con José Junceda, amigo de la familia. Niño aún, entró en la Escolanía de la Merced en Barcelona.

A los diez años de edad empezó a dar conciertos públicos. En 1887 pasó a París, donde vivió con su amigo y coterráneo, el pianista Ricardo Vinyes. Regresó a Barcelona en 1889, donde dio un memorable concierto en el Teatro Lírico. En 1892 obtuvo un nuevo triunfo como concertista y como compositor al dar a conocer sus tres primeras Danzas de sus “Doce Danzas Españolas”.

Como pianista fue excelente colaborador de grandes violinistas como Manén, Isaye, Crikboom y Thibaud. También actuó al lado de Risler, Saint-Saëns y Malats en la interpretación pública de obras escritas para dos pianos.

Granados sentía una verdadera pasión por el tiempo de Francisco de Goya y el ambiente casticista que el pintor supo retratar. Consideraba a Goya como «el genio representativo de España». Poseía varias obras del pintor y, dado que tenía buena mano para el dibujo y la pintura, llegó a retratarse a sí mismo disfrazado de «goyesco» y produjo varias láminas con motivos inspirados en la obra de Goya. De esta devoción nacen los dos cuadernos de Goyescas, para piano, con el subtítulo Los majos enamorados.

En 1901 creó  la Academia Granados en Barcelona, lugar en el que se formaron pianistas como Alicia de Larrocha o Frank Marshall.

La consagración del joven compositor tuvo lugar en 1910 tras el éxito de su obra maestra: Goyescas, tanto es así que el director de la ópera parisiense, le hizo el encargo de convertir las Goyescas en ópera, para su representación en París. Tal representación no fue posible, pero recibe la proposición de hacerlo en Nueva York, donde se va a vivir con su esposa.

De Goyescas dijo Manuel de Falla:

«No olvidaré jamás la lectura de la primera parte de Goyescas; aquellas frases tonadillescas traducidas con tal sensibilidad; la elegancia de ciertos giros melódicos, unas veces impregnados de ingenua melancolía, otras de alegre espontaneidad, pero siempre distinguidos y sobre todo evocadores, como si expresaran visiones interiores del artista».

La representación de Goyescas, efectuada en el Metropolitan el 28 de enero de 1916, constituyó un éxito y Granados fue invitado por el presidente de los Estados Unidos para tocar en la Casa Blanca. Esta circunstancia fue causa de que el compositor perdiera el transatlántico que había de volverle a España.

Cumplido su compromiso, no quiso esperar la salida de otro buque español y embarcó para Inglaterra; allí, en Folkestone, tomó el «Sussex», el cual, a poco de zarpar, fue torpedeado y hundido por un submarino alemán como consecuencia de la Primera Guerra Muncial. Granados y su esposa murieron ahogados.

Suele encuadrársele en el neo-romanticismo por su vinculación estilística con el piano de Chopin, Schubert, Schumann y Edvard Grieg.

Poemos oír en este vídeo el conocido Intermedio de la ópera Goyescas ilustrado por cuadros de Goya:

¿Qué es la musicoterapia?


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Por definición la musicoterapia es la curación mediante la música ( terapia= curación,tratamiento, y música= combinación de sonidos y ritmo)  . Pero, ¿así de simple?, no, la terapia mediante la música va mucho más allá, podríamos decir que este poder de la música se utiliza en la consecución de objetivos terapéuticos, manteniendo, mejorando y restaurando el funcionamiento físico, cognitivo, emocional y social de las personas. Podríamos decir que es a la vez un arte, una ciencia y un proceso interpersonal.

Según la American Music Therapy Association (AMTA):

“Es la utilización de la música y/o de los elementos musicales (sonido, ritmo, melodía y armonía) por un musicoterapeuta cualificado, con un paciente o un grupo de pacientes, en un proceso para facilitar y promover la comunicación, la relajación, el aprendizaje, la motricidad, la expresión, la organización y otros relevantes objetivos terapéuticos con el fin de satisfacer las necesidades físicas, emocionales, mentales, sociales y cognitivas.”

“»Es el uso de la música en la consecución de objetivos terapéuticos: la restauración, mantenimiento y acrecentamiento de la salud tanto física como mental. Es la aplicación sistemática de la música, dirigida por el musicoterapeuta en un ámbito terapéutico para provocar cambios en el comportamiento.”

La musicoterapia hace uso de sonidos, trozos musicales y estructuras rítmicas para conseguir diferentes resultados terapéuticos directos e indirectos a nivel psicológico, psicomotriz, orgánico y energético.

“La musicoterapia tiene su origen en la noche de los tiempos. Los primeros musicoterapeutas son los chamanes, médicos brujos tribales quienes comienzan a utilizar cánticos, salmodias, susurros y estructuras rítmicas repetitivas para inducir estados de conciencia a nivel colectivo con fines catárticos y religiosos. Se tienen evidencias del uso ritual de la música en casi todas las grandes culturas de la antigüedad. Los griegos (Pitágoras, Platón, Aristóteles …) y los egipcios nos cuentan acerca de los efectos psicológicos de diferentes escalas y modos musicales. De la misma manera, hindúes, chinos y japoneses antiguos, reconocen en sus ragas y modos pentatónicos, estructuras musicales aplicables a diversas actividades y estados de ánimo. A partir de tales tradiciones, durante el presente siglo se ha sistematizado el estudio de los efectos psicológicos y orgánicos de la música y se ha reconocido a la musicoterapia como vertiente terapéutica de valor concreto.”

Juan José Lopera

Médico y Terapeuta (Sintergética, Musicoterapia y Sanación)

musicoterapiaHay muchas disciplinas relacionadas con este método, psicología, psiquiatría, psicoterapia, educación especial, etc. y tiene diversas aplicaciones en muy distintos campos.

Uno de los usos cotidianos más simples y difundidos de la musicoterapia es la regulación del estado de ánimo. Se utilizan trozos musicales para alegrarnos en la depresión o para calmarnos en medio de estados de excitación producidos por la rabia, el estrés o el temor.

También se pueden utilizar trozos musicales para mejorar el aprendizaje, ejercicios rítmicos para mejorar la coordinación y la resistencia física. La música, bien empleada, puede facilitar el contacto con bloqueos emocionales concretos y producir la catarsis necesaria para la resolución del conflicto.

Se ha comprobado como la música es capaz de afectar notablemente a la actividad cerebral y por tanto afectar a los patrones cognitivos, y a las funciones vegetativas (frecuencia cardiaca, ritmo respiratorio, etc). También parece ejercer una cierta influencia en la capacidad de aprender y en la estimulación psicomotriz.

Beneficios de la musicoterapia en los niños

Todo lo que es música, para un niño, siempre es positivo. Pero debemos tener en cuenta que ésta debe ser siempre adaptada a sus oídos, a su capacidad demusicoterapia1 escucha; a su edad.

A un niño, la musicoterapia le puede ir muy bien para mejorar el aprendizaje, la coordinación, controlar la ansiedad y mejorar el estado de ánimo, entre otros. Pero, sobre todo para ayudarle a organizarse a nivel interno. La influencia de la música es mucho mayor de lo que creemos.

Cuanto antes se exponga la música al niño más beneficios le aportará, sea como terapia o sea como uso lúdico. De hecho, el uso de canciones para enseñar habilidades académicas, sociales y motoras a niños pequeños se ha convertido en una práctica común para algunos profesores y educadores de música y, por supuesto, para muchos musicoterapeutas de los Estados Unidos.

Hay muchos estudios que demuestran que la música y sus componentes producen patrones de actividad eléctrica cerebral. Esto lleva a una mayor eficacia a nivel del funcionamiento del cerebro no sólo como rector de los procesos cognitivos sino también como regulador de las funciones vegetativas del organismo.

 musicoterapia3 Logrando una estimulación musical en la que participen activamente se promueve el desarrollo físico, mental, intelectual, sensorial y afectivo de los niños. Esto repercutirá favorablemente sobre otros de los objetivos educativos a los que se aspiran tales como la atención, la concentración, colaborando en el desarrollo de la imaginación y la creatividad así como en la desinhibición.

Con este tipo de actividades se busca desarrollar también la coordinación motriz, el movimiento, la marcha, lograr cierta discriminación auditiva; y que adquieran destrezas y medios que le mejoren la expresión oral, perfeccionando la articulación, vocalización, el control de la voz, incluso se logra mejorar la respiración y el funcionamiento de los órganos que intervienen en ella.

Se refuerza la autoestima y la personalidad mediante la realización personal, y se acentúan pautas de conducta que facilitan su integración social y liberan la energía reprimida.

También es efectiva para la recuperación de los bebés hospitalizados en cuidados intensivos.

Algunas piezas de música clásica y autores propios para musicoterapia:

He enlazado las piezas que  ya están incluidas en este blog, el resto las iré insertando poco a poco.

Obras relajantes:

Beethoven: Minueto, Sinfonía heroica, Para Elisa, sonata Claro de Luna

Brahms: Vals op.39 N15,Canción de cuna

Bach: Largo de concierto en la suite en si bemol, concierto de Brandemburgo.

Bach: Aria en sol

Pachelbel: Canon

Schubert: Sinfonía inacabada, Ave María

Vivaldi: Concierto para oboe

Mozart: Concierto nº 3 para violín

Chopin: Tristeza

Albinoni: Adagio

Saint-Saëns: Carnaval de los Animales

Offenbach: Barcarola

Tchaikowsky: Sexta sinfonía

Debussy: El mar, Claro de Luna

Wagner: Preludio de Parsifal

Fajerman: Flowers of Love

Stivell: Renacimiento del arpa

Haendel: Música acuática

Obras Estimulantes:

Wagner: La gran marcha de Tannhauser, el final de los Maestros cantores, la Obertura de Rienzi

Boccherini: Minuetto

Mozart: Minueto Don Juan

Borodin: El Príncipe Igor

Popular escocesa: Días Lejanos

Popular napolitana: Santa Lucía

Obras energizantes:

Elgar: Pompa y Circunstancia

Verdi: Marcha triunfal de Aida

Tchaikowsky: Marcha Eslava

Mozart: Marcha Turca, Las Bodas de Fígaro, Serenata, Sinfonía Júpiter

Faure: In Paradisum

Toselli: Serenata

Rossini: Obertura de Guillermo Tell

Schubert: Momento musical

La leyenda del ángel llamado: Mamá


Cuenta una antigua leyenda que un niño antes de nacer le dijo a Dios:

angel_en_nubes_anne_geddes – “Me dicen que me vas a enviar a la tierra, ¿cómo viviré tan pequeño e indefenso que soy?”

Dios le dijo:

-«Entre muchos Ángeles escogí uno para ti, que te está esperando, él te cuidará.»
-“Pero dime Dios, aquí en el cielo no hago más que cantar y sonreír, eso basta para ser feliz.”
-“Tú ángel te cantará, te sonreirá todos los días y tú sentirás su amor y serás feliz.”
-“Y ¿cómo entender, Dios lo que la gente me hable si no conozco el extraño idioma que hablan los hombres?”
Dios le contestó al niño:

-“Tú ángel te dirá las palabras más dulces y más tiernas que puedas escuchar y con mucha paciencia y cariño te enseñará a hablar.”womenandbaby
-“Y ¿qué haré, Dios cuando quiera hablar contigo?”
-“Tú ángel te juntará las manitas y te enseñará a orar.”
-“He oído que en la tierra hay hombres malos ¿Quién me defenderá?”
-“Tú ángel te defenderá aún a costa de su propia vida”.
-“Pero estaré siempre triste, porque no te veré más Dios.”
-“Tú ángel te hablará de mí y te enseñará el camino para que regreses a mi presencia aunque yo siempre estaré contigo.”
En ese instante una gran paz reinaba en el cielo, ya se oían voces terrestres y el niño presuroso repetía suavemente.
-“Dios mío, Dios mío, si me voy dime su nombre, ¿cómo se llama mi ángel?”

Dios le contestó:

”Su nombre no importa….. Tú le dirás… Mamá

Os invito a FELICITAR A MAMA con esta preciosa melodía compuesta por Schubert, su «Ave María», interpretada por Luciano Pavarotti:

La guitarra clásica


La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero, generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten los diferentes tonos. Su nombre específico es guitarra clásica o guitarra española.

EstructuraGuitarraClasica

Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock y flamenco, y bastante frecuente en cantautores. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.

Cuando el instrumento es más pequeño que una guitarra se denomina requinto y cuando es más grande guitarrón. Este último es de uso frecuente por los mariachis.

Ver LA GUITARRA

Summerfield opina que la guitarra española debe descender de los instrumentos romanos tanbur o cithara, llevados a España por los romanos aproximadamente en el año 400 d.C. Esta teoría se opone frontalmente a la convencional, que dice que el antecesor directo de la guitarra es el ud, instrumento llevado a España por los moros después de la invasión de España durante el siglo VIII.

guit2 Hay evidencias de que un instrumento de cuatro cuerdas parecido a la guitarra fue tocado por los Hititas (quienes ocuparon una región ahora conocida como Asia Menor y Siria) cerca del año 1400 a.C. A pesar de esto, se ha interpretado que el primer instrumento parecido a la guitarra que apareció en España lo hizo sólo después de esta invasión con la introducción de ud arábico en el Sur. Pero con la introducción de la cithara romana siglos antes, podemos decir que a pesar de la influencia del ud en el desarrollo de la guitarra no es su verdadero antecesor. De acuerdo con esta teoría la guitarra española derivó del tanbur de los Hititas, a la kithara con «k» de los griegos y finalmente a la cithara con «c» de los romanos.

Sin embargo, es posible que después de la llegado de los árabes a España, la cithara romana y el ud arábico se hubieran mezclado e influenciado mutuamente durante varios siglos. Aunque ha habido más descubrimientos en la construcción de la guitarra, desde mediados del siglo XIX nuestra guitarra moderna conserva la mayoría de lo que fue descubierto hace casi 150 años.

Sabias que …  :

Las cuerdas de Nylon aparecen en 1946, para reemplazar a las cuerdas de tripa.

Antonio Stradivarius (1644 – 1737), el célebre luthier de Cremona no sólo confeccionó violines, también hizo arpas, céteras y guitarras. Hoy en día sobreviven dos guitarras de él.

Luis XIV, rey de Francia, tocaba la guitarra que era su instrumento favorito.joaquín rodrigo

Niccolò Paganini (1782-1840) escribió más de 200 obras que involucran a la guitarra; escribió casi la misma cantidad de piezas para violín.

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), nos legó 7 obras para laúd, entre ellas 4 Suites para Laúd Solo, que hoy en día son tocadas por grandes guitarristas.

El gran compositor del famoso concierto de Aranjuez, Joaquín Rodrigo, era ciego desde los 3 años a causa de una epidemia de difteria.

El gran Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta, estrenado en 1940 por el guitarrista Regino Sáinz de la Maza, es la obra clásica más vendida por las tiendas discográficas en el siglo XX y a la cual se han hecho más adaptaciones y arreglos para ser interpretado en instrumentos como arpa e incluso en estilo pop y jazz. Sin embargo, no cabe la menor duda que el concierto es bello tal como lo concibió su autor.

albenizHeitor Villa-Lobos (1887 – 1959), además de ser un brillante compositor para guitarra del siglo XX, fue el compositor más prolífico de todos los tiempos. Su producción musical se compara en número a la obra de Lope de Vega en literatura.

Franz Schubert (1797 – 1828) componía en una guitarra ya que era tan pobre que no podía disponer de un piano.

Isaac Albéniz al escuchar sus propias composiciones transcritas en guitarra por Tárrega, decía que eran superiores a las versiones de él para piano.

La popular melodía Romance d’Amour también conocida como Jeux Interdits que siempre se la asocia con España, no es española ni escrita por ningún compositor español. Es una antigua canción popular ucraniana.

Y … hablando de la melodía Romance de Amor o Romance Anónimo, os lo pongo aquí, seguro que lo conocéis: