El Carnaval de Venecia – N. Paganini


 6080344-carnaval-de-venecia

El Carnaval ha inspirado a muchos compositores a lo largo de la historia, algunas de las partituras fueron compuestas expresamente para esta fiesta, unas tomadas algunas de melodías populares y otras evocando el ambiente festivo de esos días:

«El Carnaval» de Schumann, compuesto para piano en 1835.

La obertura de concierto «Carnaval,» op. 92, de Dvorak, compuesta en 1891.

«El carnaval de los animales«, suite escrita por Saint-Saëns en 1886, para divertir a sus amigos.

La obertura «El Carnaval romano», op. 9, de Héctor Berlioz compuesta en 1843.

«Carnaval de Venecia» compuesta en 1816 por Niccolo Paganini, variaciones para violín y orquesta.

A continuación podemos oír una versión para trompeta del Carnaval de Venecia compuesto por Paganini:

De: http://euterpe-suances.blogspot.com

Inma Shara


inmashara1

Este es el nombre artístico de la directora de orquesta y compositora,  Inmaculada Lucía Sarachaga que nace en 1972 en Amurrio en la provincia de Alava (España). Es una de las más brillantes representantes de la nueva generación de directores de España.

Desde muy pequeña tuvo contacto con todas las artes: teatro, danza, música… pero la que realmente marcó su vida y le llamó la atención especialmente fue la música, de tal manera que se dedicó absolutamente a ella. Ella misma dice que su vida es como un sueño hecho realidad.

Estudió en el Conservatorio de música de Bilbao y en el de Vitoria. Fue alumna de Alexander Rahbari y Sir Colin Davis y colaboró con Zubin Mehta. Ha dirigido las principales orquestas sinfónicas españolas, así como la Sinfónica Nacional Checa, la Sinfónica Nacional de Rusia, la London Philharmonic Orchestra y la Royal Philharmonic Orchestra, entre otras. En junio de 2007, dirigió la orquesta del Teatro Regio di Parma en el concierto inaugural del Festival de Ravello.

En diciembre de 2008 se celebró un concierto para conmemorar el 60 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, presidido por Su Santidad el Papa Benedicto XVI en el Vaticano, bajo la batuta de nuestra directora, Inma Shara (primera mujer que tiene este honor).

Ha sido galardonada con el premio a la Excelencia Europea por su proyección internacional y su aportación a la música clásica, igualmente ha sido nombrada “Embajadora Honoraria de la Marca España”, este premio se le concede por ser una de las figuras más brillantes de la nueva generación de directores de orquesta de España y por su trayectoria profesional.

Ha dirigido el concierto de clausura del Día de Europa de la Expo Universal de Shanhgai 2010 al frente de la Joven Orquesta Europea.

Os cuelgo un vídeo para que veáis a nuestra directora en acción, poco tengo que decir de la pieza que suena porque seguro que todos la conocéis, se trata de un fragmento de la banda sonora de la película  Star Wars (La Guerra de las Galaxias) como habréis adivinado. Espero que os guste. (Es el de mejor calidad que he encontrado)

En relación con nuestra directora me parece muy interesante reseñar un trabajo que sale al mercado a partir del día 23 de noviembre, se titula “La Isla de los Sonidos” ,  se trata  un libro con un cuento infantil y un CD de música clásica para iniciar en la música de una manera divertida a los más pequeños.

La Isla de los Sonidos es un cuento hecho música o la música hecha cuento. La historia en imágenes que se incluye en el magnífico libro ilustrado que acompaña al álbum sirve para seguir un acompañamiento musical en el que se mezclan obras clásicas de Mozart, Tchaicovsky, Saint-Saëns, Rossini, Grieg o Strauss con las melodías de La guerra de las galaxias o Piratas del Caribe. La Isla de los Sonidos estimula el desarrollo integral de los niños y está pensado como un viaje de iniciación a la música clásica y orquestal desde un punto de vista lúdico, pedagógico y educativo. El álbum contiene un CD con 13 obras, un cuento infantil ilustrado y un DVD con el cuento animado.

Inma Shara, dirigiendo a la Orquesta Sinfónica Nacional Checa en una grabación especial para este proyecto, ofrece el siguiente repertorio:

  1. La bella durmiente (Op. 66) – P.I. Tchaikovsky
  2. Serenata nº 13 para cuerdas «Pequeña serenata nocturna» –  W.A. Mozart
  3. La entrada de los gladiadores –  Julius Fucik
  4. El baile de los caníbales – Marketa Mazuorova
  5. La guerra de las galaxias (tema principal) – John Williams
  6. He’s a Pirate (Piratas del Caribe:La maldición de la Perla Negra) – Klaus Badelt
  7. Sinfonía de los juguetes – Leopoldo Mozart
  8. El viejo gruñón – Julius Fucik
  9. Sleigh Ride – Leroy Anderson
  10. El carnaval de los animales: Aquarium – Camille Saint-Saëns
  11. En la gruta del rey de la montaña – Edward Grieg
  12. Obertura de Gullermo Tell (final) – G. Rossini
  13. Marcha Radetzky (Op. 228) – Johann Strauss

Podéis leer sobre algunos de estos autores y oir varias de estas piezas en este blog.

Plácido Domingo Embil


domingo_placido

Nació el 21 de enero de 1941 en Madrid. Hijo de los conocidos cantantes de zarzuela Plácido Domingo y Pepita Embil, por razones profesionales sus padres se radicaron en México donde sus padres tenían su propia compañía lírica, en la cual el joven cantante de ópera dio sus primeros pasos como barítono. En este país pasó su infancia y adolescencia y adquirió una formación musical muy completa (empezó a tocar el piano con 8 años), ya que no sólo aprendió canto sino dirección orquestal con Igor Markevitch en el Conservatorio Nacional Mexicano.

Mientras cursaba sus estudios primarios empezó a estudiar solfeo con el maestro Manuel Barajas y subió varias veces a interpretar papeles de niño en algunas obras. Aunque su voz todavía no estaba formada, comenzó a cantar zarzuelas como barítono.

Su temperamento le llevó, en los años siguientes, de una actividad a otra: fue jugador de fútbol, quiso ser torero, intervino en comedias musicales, acompañó a cantantes en salas de fiestas y recibió alguna que otra oferta para hacer cine. Su amigo Manuel Aguilar le sugirió que probase suerte en la ópera, y aunque pensaba que no tenía voz para ello, Plácido aprendió varias romanzas y dio una audición en la Academia de la Ópera de México.

Su voz potente y dramática le ha permitido especializarse en la gran ópera francesa e italiana del siglo XIX (Bizet, Saint-Saëns, Verdi, Puccini). Convertido en una de las figuras más importantes de la lírica mundial, cantó en los principales escenarios con un repertorio de más de 70 papeles, abarcando, además de los anteriores nombrados, a Donizetti, Wagner y Strauss.

En 1958, se convierte en arreglista e hizo los coros de los músicos de rock and roll Enrique Guzmán y César Costa, en su banda Los Black Jeans.

El pianista hebreo mexicano José Cahan le informó que en el Teatro de la Ópera de Tel Aviv necesitaban un tenor, una soprano y un barítono; Plácido habló con su mujer, Marta Ornellas (también cantante de ópera), y juntos marcharon a Israel el 21 de diciembre de 1962. Aunque el contrato era por seis meses, permanecieron dos años y medio. El tenor participó en 280 funciones y su esposa en 150, hasta que ella abandonó la carrera en favor de su marido y su familia.

De su estancia en Tel Aviv arranca su repertorio y su consolidación como tenor.

El 1 de enero de 1966 debutó en el Liceo de Barcelona con La mulata de Córdoba, del compositor mexicano José Pablo Moncayo, y a partir de ahí sus estrenos se contaron por éxitos, tanto en la Metropolitan Opera House en 1968 como al año siguiente en la Scala de Milán y en el festival de Verona, período que culminó con la triunfal acogida que tuvo su incorporación del papel de Cavaradossi, de Tosca, en el Covent Garden de Londres, en 1971.

En la década de los noventa, junto con José Carreras y Luciano Pavarotti, forma la célebre sociedad artística de “Los Tres Tenores” con el motivo del Mundial de fútbol Italia 1990. Con esta sociedad actuó en numerosos en macroconciertos.

A partir de 1973, y cada vez con mayor frecuencia, ha practicado también la dirección de orquesta.

Desde 1993, trabaja en la creación del más renombrado concurso de canto, Operalia, y en la dirección artística de Los Angeles Music Center Opera y de la ópera de Washington

Se mantiene como una de las mayores figuras de la ópera internacional, siendo posiblemente el tenor más popular y uno de los cantantes líricos con más amplia discografía: más de 100 grabaciones, 50 videos de ópera y tres películas sobre: «La Traviata» (de 1983), «Otelo» (1986) y «Carmen» (1984).

¿Qué es la musicoterapia?


musica_metronomo

Por definición la musicoterapia es la curación mediante la música ( terapia= curación,tratamiento, y música= combinación de sonidos y ritmo)  . Pero, ¿así de simple?, no, la terapia mediante la música va mucho más allá, podríamos decir que este poder de la música se utiliza en la consecución de objetivos terapéuticos, manteniendo, mejorando y restaurando el funcionamiento físico, cognitivo, emocional y social de las personas. Podríamos decir que es a la vez un arte, una ciencia y un proceso interpersonal.

Según la American Music Therapy Association (AMTA):

“Es la utilización de la música y/o de los elementos musicales (sonido, ritmo, melodía y armonía) por un musicoterapeuta cualificado, con un paciente o un grupo de pacientes, en un proceso para facilitar y promover la comunicación, la relajación, el aprendizaje, la motricidad, la expresión, la organización y otros relevantes objetivos terapéuticos con el fin de satisfacer las necesidades físicas, emocionales, mentales, sociales y cognitivas.”

“»Es el uso de la música en la consecución de objetivos terapéuticos: la restauración, mantenimiento y acrecentamiento de la salud tanto física como mental. Es la aplicación sistemática de la música, dirigida por el musicoterapeuta en un ámbito terapéutico para provocar cambios en el comportamiento.”

La musicoterapia hace uso de sonidos, trozos musicales y estructuras rítmicas para conseguir diferentes resultados terapéuticos directos e indirectos a nivel psicológico, psicomotriz, orgánico y energético.

“La musicoterapia tiene su origen en la noche de los tiempos. Los primeros musicoterapeutas son los chamanes, médicos brujos tribales quienes comienzan a utilizar cánticos, salmodias, susurros y estructuras rítmicas repetitivas para inducir estados de conciencia a nivel colectivo con fines catárticos y religiosos. Se tienen evidencias del uso ritual de la música en casi todas las grandes culturas de la antigüedad. Los griegos (Pitágoras, Platón, Aristóteles …) y los egipcios nos cuentan acerca de los efectos psicológicos de diferentes escalas y modos musicales. De la misma manera, hindúes, chinos y japoneses antiguos, reconocen en sus ragas y modos pentatónicos, estructuras musicales aplicables a diversas actividades y estados de ánimo. A partir de tales tradiciones, durante el presente siglo se ha sistematizado el estudio de los efectos psicológicos y orgánicos de la música y se ha reconocido a la musicoterapia como vertiente terapéutica de valor concreto.”

Juan José Lopera

Médico y Terapeuta (Sintergética, Musicoterapia y Sanación)

musicoterapiaHay muchas disciplinas relacionadas con este método, psicología, psiquiatría, psicoterapia, educación especial, etc. y tiene diversas aplicaciones en muy distintos campos.

Uno de los usos cotidianos más simples y difundidos de la musicoterapia es la regulación del estado de ánimo. Se utilizan trozos musicales para alegrarnos en la depresión o para calmarnos en medio de estados de excitación producidos por la rabia, el estrés o el temor.

También se pueden utilizar trozos musicales para mejorar el aprendizaje, ejercicios rítmicos para mejorar la coordinación y la resistencia física. La música, bien empleada, puede facilitar el contacto con bloqueos emocionales concretos y producir la catarsis necesaria para la resolución del conflicto.

Se ha comprobado como la música es capaz de afectar notablemente a la actividad cerebral y por tanto afectar a los patrones cognitivos, y a las funciones vegetativas (frecuencia cardiaca, ritmo respiratorio, etc). También parece ejercer una cierta influencia en la capacidad de aprender y en la estimulación psicomotriz.

Beneficios de la musicoterapia en los niños

Todo lo que es música, para un niño, siempre es positivo. Pero debemos tener en cuenta que ésta debe ser siempre adaptada a sus oídos, a su capacidad demusicoterapia1 escucha; a su edad.

A un niño, la musicoterapia le puede ir muy bien para mejorar el aprendizaje, la coordinación, controlar la ansiedad y mejorar el estado de ánimo, entre otros. Pero, sobre todo para ayudarle a organizarse a nivel interno. La influencia de la música es mucho mayor de lo que creemos.

Cuanto antes se exponga la música al niño más beneficios le aportará, sea como terapia o sea como uso lúdico. De hecho, el uso de canciones para enseñar habilidades académicas, sociales y motoras a niños pequeños se ha convertido en una práctica común para algunos profesores y educadores de música y, por supuesto, para muchos musicoterapeutas de los Estados Unidos.

Hay muchos estudios que demuestran que la música y sus componentes producen patrones de actividad eléctrica cerebral. Esto lleva a una mayor eficacia a nivel del funcionamiento del cerebro no sólo como rector de los procesos cognitivos sino también como regulador de las funciones vegetativas del organismo.

 musicoterapia3 Logrando una estimulación musical en la que participen activamente se promueve el desarrollo físico, mental, intelectual, sensorial y afectivo de los niños. Esto repercutirá favorablemente sobre otros de los objetivos educativos a los que se aspiran tales como la atención, la concentración, colaborando en el desarrollo de la imaginación y la creatividad así como en la desinhibición.

Con este tipo de actividades se busca desarrollar también la coordinación motriz, el movimiento, la marcha, lograr cierta discriminación auditiva; y que adquieran destrezas y medios que le mejoren la expresión oral, perfeccionando la articulación, vocalización, el control de la voz, incluso se logra mejorar la respiración y el funcionamiento de los órganos que intervienen en ella.

Se refuerza la autoestima y la personalidad mediante la realización personal, y se acentúan pautas de conducta que facilitan su integración social y liberan la energía reprimida.

También es efectiva para la recuperación de los bebés hospitalizados en cuidados intensivos.

Algunas piezas de música clásica y autores propios para musicoterapia:

He enlazado las piezas que  ya están incluidas en este blog, el resto las iré insertando poco a poco.

Obras relajantes:

Beethoven: Minueto, Sinfonía heroica, Para Elisa, sonata Claro de Luna

Brahms: Vals op.39 N15,Canción de cuna

Bach: Largo de concierto en la suite en si bemol, concierto de Brandemburgo.

Bach: Aria en sol

Pachelbel: Canon

Schubert: Sinfonía inacabada, Ave María

Vivaldi: Concierto para oboe

Mozart: Concierto nº 3 para violín

Chopin: Tristeza

Albinoni: Adagio

Saint-Saëns: Carnaval de los Animales

Offenbach: Barcarola

Tchaikowsky: Sexta sinfonía

Debussy: El mar, Claro de Luna

Wagner: Preludio de Parsifal

Fajerman: Flowers of Love

Stivell: Renacimiento del arpa

Haendel: Música acuática

Obras Estimulantes:

Wagner: La gran marcha de Tannhauser, el final de los Maestros cantores, la Obertura de Rienzi

Boccherini: Minuetto

Mozart: Minueto Don Juan

Borodin: El Príncipe Igor

Popular escocesa: Días Lejanos

Popular napolitana: Santa Lucía

Obras energizantes:

Elgar: Pompa y Circunstancia

Verdi: Marcha triunfal de Aida

Tchaikowsky: Marcha Eslava

Mozart: Marcha Turca, Las Bodas de Fígaro, Serenata, Sinfonía Júpiter

Faure: In Paradisum

Toselli: Serenata

Rossini: Obertura de Guillermo Tell

Schubert: Momento musical

Danza macabra – Camile Saint – Saëns


Está basada en un poema de Hernri Cazalis, que describe a la Muerte (con mayúscula) tocando el violín a media noche sobre una tumba. A sus ritmos acuden los esqueletos de los muertos para danzar. Es una viva melodía a ritmo  de vals francés. El canto del gallo que anuncia el día hace que todos se retiren a sus tumbas aterrorizados, volviendo la calma en la noche. Para la afinación del violín que toca  la Parca, Saint-Saëns utiliza una forma especial: la primera cuerda la afina en mi bemol en lugar de mi natural con lo que da una sensación de ambiente tétrico.

  
 Estructura:
 
1- Las doce campanadas de media noche: silencio y calma.
2- La Muerte sale de su tumba y afina el violín (obsérvese el sonido característico).
3- Empieza a tocar. Ritmo de vals.
4- Las tumbas se van abriendo y los esqueletos asoman bailando: uno…otro…y otro…Todos bailan.
5- La muerte vuelve a afinar.
6- Vuelta al ritmo de vals. Ahora bailan con más fuerza.
7. Los esqueletos chocan con los otros en sus evoluciones (xilófonos).
8- Afina de nuevo y toca. Los esqueletos van entrando por parejas en la danza.
9- Un cambio de tono indica la aparición de los primero rayos de sol que contagian la melancolía y el miedo. Los “menos valientes” empiezan a huir. Otros siguen la danza.
10- El metal indica el pánico. Otros siguen huyendo.
11- La Muerte casi ha quedado sola y su “melodía” se hace triste y melancólica.
12- Huyen todos haciéndole cortejo a la Parca.
13- Canta el gallo (oboe).
14- Se cierran las tumbas.
15- Vuelve la paz y la calma en la noche.

El xilófono


xilofono1

 

Estoy segura de que todos conocéis este instrumento, y al menos lo habréis tocado alguna vez.

El xilófono es un instrumento musical de percusión (del griego xylon = madera y phone = sonido). Es uno de los mas antiguos instrumentos melódicos que se marimbaconocen. Consta de una serie de laminas de madera, planas o semicilíndricas de longitud y espesor variable, colocadas horizontalmente sobre un marco que las  sostiene. Se toca golpeando las láminas con dos macillos cuya cabeza esta recubierta de fieltro o caucho.

Cada lámina se afina según un tono específico (nota musical)de la escala cromática. Como se puede afinar, se trata de un laminófono de sonido determinado. El orden de las láminas es similar al orden del teclado de piano. Tiene un tono más vivo que su primo, la marimba, y las notas se sostienen menos. Los xilófonos modernos incluyen láminas de percusión cortas. Un xilófono con un registro más bajo que el registro de la marimba se llama «xilorimba«.

Su origen se remonta a la prehistoria, en una forma primaria y muy sencilla que aun hoy es posible observar cerca de algunos pueblos primitivos actuales, consistente en colocar algunas láminas de madera directamente sobre las piernas, algo distanciadas. de un ejecutante sentado en el suelo. Ampliamente difundido en Asia y en África. Generalmente los xilófonos africanos están compuestos por laminas mas estrechas y delgadas y disponen de resonadores colocados debajo de cada una de ellas. Lo mismo ocurre en Sudamérica, donde el instrumento fue introducido por los esclavos negros.xilofon

A pesar de haber sido introducido ya desde el siglo XVI, el xilófono no fue bien conocido en la Europa occidental hasta la segunda mitad del siglo XIX

El xilofonista debe poseer un alto nivel técnico, casi de virtuoso. Este instrumento admite cualquier tipo de agilidad sea diatónica o cromática. Entre sus efectos especiales destaca el glissando que se obtiene resbalando muy rápidamente una baqueta desde el registro grave al agudo o viceversa.

Posee una gran relevancia en un número de piezas clásicas. Algunas de las más conocidas son la Danza macabra (1874) compuesta por Camile Saint-Saëns y «Fósiles» de Carnaval de los Animales (1886) del mismo compositor. También se puede escuchar en la Sinfonía Nº. 6 de Gustav Mahler, Preludio para un drama de Schreker, o en la que pongo para oír, I believe Gassenhauer de Carl Orff:

 

Charles Camille Saint-Saëns


Saint-Saëns nace en el Barrio Latino de París el 9 de octubre de 1835 y murió en Argel, el 16 de diciembre de 1921. Fue un compositor francés. Perdió su padre c3d0357d8f3ed366697c27102bb05f3c9uando contaba solamente cuatro meses, y recibió la primera formación musical de su madre y de su tía; se mostró tan precoz en tal aspecto que a los cinco años pudo ya componer para el piano. Fue confiado entonces a la guía del pianista Stamaty, el cual lo presentó como pequeño virtuoso del piano en 1845.

Estudió órgano y composición. En 1852 ganó un concurso con una Ode à Sainte Cécile; en 1853 fue nombrado organista de St. Merry, y en el año 1857 alcanzó el mismo cargo en la Madeleine; en 1861 obtuvo la cátedra de piano de la escuela Niedermeyer. Su primera obra teatral, Le timbre d’argent (1864-1865), no pudo llegar a la escena.

Tenía un temperamento batallador y enérgico, fundó en 1871 la Société Nationale de Musique, orientada concretamente al fomento de la ejecución y la difusión de la nueva música francesa. La iniciativa, a la cual se adhirieron, entre otros, Lalo, Franck, Bizet y Fauré, tuvo una gran importancia en sus aspectos de propulsión y organización. En 1872 Saint-Saëns pudo ver finalmente satisfechas sus aspiraciones escénicas: siquiera con escaso éxito, fue representada en la Opéra Comique su obra La princesse jaune.

A esta misma época pertenecen también algunas de sus producciones sinfónicas más importantes: los poemas La rueca de Onfalia (1871), Phaéton (1873), Danza macabra (1874) y La jeunesse d’Hercule (1877), en el que puede percibirse una intensa influencia de las obras análogas de Liszt; y los Conciertos segundo, tercero y cuarto para plano, en sol menor (1868), mi bemol mayor (1869) y do menor (1875), cuyo virtuosismo pianístico alcanza un alto nivel de perfección en cuanto a la forma y a la estructura, y de acuerdo con esquemas imponentes y grandiosos, pero generalmente poco profundos.

La jeunesse d’Hercule (I)

Saint-Saëns consideró siempre a El carnaval de los animales como un divertimento, de hecho su intención era la de ridiculizar a compositores e intérpretes de labrass_band época (tortugas, fósiles y pianistas). Después de su estreno, que tuvo lugar el martes de carnaval de 1886, el compositor prohibió que se publicara la partitura y que fuese interpretada en público La única pieza que se pudo interpretar fue El Cisne.

La Gran fantasía zoológica es una suite graciosa y ligera compuesta por 14 piezas en las que van desfilando los “instrumentos/animales” retratados por Saint-Saëns (tamaños, formas, onomatopeyas, recursos…). Los animales aparecerán escondidos entre los instrumentos de un conjunto formado por 2 pianos, un quinteto de cuerdas (dos violines, una viola, un violonchelo y un contrabajo), un xilófono y una armónica de cristal (pequeño instrumento de láminas metálicas que se hacen sonar con la presión de los dedos). Este instrumento se suele reemplazar actualmente por la celesta. Los instrumentos se van alternando para cada una de las piezas interpretando todos juntos sólo el fragmento final de la obra.

La jeunesse d’Hercule (II)