Franz von Suppé


Francesco Ezechielle Hermenegildo Cavaliere Suppe Demmelli fue un director de orquesta y compositor austriaco de operetas y oberturas. Nació el 18 de abril de 1819 en Zadar, (Croacia) y murió el 21 de mayo de 1895, en Viena.122022

A los ocho años cantaba en el coro de Zadar, capital de Dalmacia (Croacia) donde recibió sus primeras clases de música y compuso a una edad muy temprana. En su adolescencia, estudió flauta y armonía en Cremona. Su primera composición existente fue una Misa católica, que fue estrenada en una iglesia franciscana de su ciudad en 1832. Con quince años, sus padres lo enviaron a la facultad de derecho de la Universidad de Padova. Cuando finalizó la carrera entró en el cuerpo de funcionarios del imperio Austro-húngaro.

Es durante estos años cuando realizó sus primeros viajes a Milán donde conoció a Rossini y Donizetti que le marcaron profundamente. En 1860, tras haber escuchado las óperas bufas de Offenbach decide imitar este estilo adaptándolo al idioma alemán y la escena vienesa.

Fue nombrado en 1865 director del Teatro Leopoldstadt de Viena. Algún tiempo después desempeñó otros cargos y la dirección musical del teatro AnderWien.

Suppé mantuvo vínculos con su región natal, Dalmacia, y de vez en cuando visitaba Split, Zadar y Šibenik. Algunas de sus obras están vinculadas con Dalmacia, en particular, en su opereta El retorno del marinero (Des Matrosen Heimkehr) la acción se desarrolla en Hvar. Después de su jubilación como director de orquesta, continuó escribiendo óperas, pero cambió su enfoque a la música sacra.

Compuso cerca de 30 operetas y 180 farsas, ballets, vodeviles, un Réquiem, un oratorio de réquiem Extremum Judicium, tres misas, canciones, sinfonías y oberturas de concierto. Entre sus principales operetas se encuentran Caballería ligera (Leichte Cavallerie) compuesta en 1866, Fatinitza (1876) y Boccaccio (1879). La obertura de su opereta Dichter und Bauer (1846) sigue formando parte del repertorio actual y algunas de sus otras obras han sido usadas en las bandas sonoras de película, dibujos animados o anuncios, además de ser interpretado con frecuencia en los conciertos sinfónicos populares.

Su obra Esta es mi Austria (Des ist mein Österreich) es el segundo himno nacional de Austria:

De: http://www.buscabiografias.com/ y Wikipedia

La ópera


María Callas

Preguntándome cómo calificar a este género musical, he encontrado una frase que, para mí, la define exactamente:

“El arte de las emociones”

En la ópera encontramos todo: emociones, sentimientos, música, teatro, canto, poesía, ballet … ¿conocéis algo más completo?

Jacopo PeriLa palabra ópera viene del italiano opera que significa obra”. Sus representaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental.

A diferencia de nuestra zarzuela y otros géneros musicales, la ópera una representación completamente acompañada por música.

Algunos autores señalan como antecedentes de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales). La primera composición que fue considerada ópera como la conocemos actualmente fue Dafne (1597) de Jacopo Peri.

A principios del siglo XIX comenzó un movimiento operístico denominado bel canto (dverdie hecho actualmente a la ópera de la denomina así). “Bel canto” viene del italiano “canto bello” , se caracteriza porque sus obras son floridas y difíciles, requieren mucha agilidad y control del tono de voz. Son los principales autores de este movimiento: Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Pacini, Mercadante, etc.

Las primeras representaciones operísticas fueron demasiado infrecuentes como para que los cantantes pudieran vivir exclusivamente de ella, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, comenzaron a surgir intérpretes profesionales.

pucciniEl héroe masculino era usualmente representado por un castrato (pero a los franceses no les gustaban los “castrati”, preferían que sus héroes fueran interpretados por un tenor alto). La protagonista femenina era la de una soprano, denominada normalmente prima donna, y había una gran rivalidad entre ellas ( es por esto que Rossini, con el toque de humor que le caracterizaba, escribió el “Duo de los gatos”).

Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el singspiel alemán, la opereta vienesa, la opéra-comique francesa y el musical inglés y estadounidense.

Parte de Wikipedia

Teresa Berganza


Teresa BerganzaTeresa Berganza nació en Madrid el 16 de marzo de 1933 es una reconocida mezzosoprano española, asociada frecuentemente con personajes de óperas de Mozart, Haendel, Rossini, Purcell, Offenbach, Bizet y Massenet. Es admirada por su técnica, musicalidad y presencia en escena.

Nacida en la madrileña calle de San Isidro, era la más pequeña de tres hermanos y sólo ella comenzó ya en su niñez a estudiar música, animada por su padre, Guillermo Berganza Manquillo. Fue también su padre quien, la llevó al primer dominio del solfeo.

Estudió en el Conservatorio de Madrid donde cursó todas las disciplinas de piano, órgano y solfeo. Al finalizar su carrera en el Conservatorio, en 1954, obtuvo el premio Lucrecia Arana.teresa berganza piano

Aunque Teresa no pensaba dedicarse al canto, ya que su gran pasión era el piano, con su profesora Lola Rodríguez, se inició en Mozart y Rossini, que con el tiempo se convertirían en sus máximos referentes, junto a la Carmen de Bizet.

 Entre sus papeles más inolvidables sobresale la Carmen de Georges Bizet: lo interpretó por primera vez el 22 de agosto de 1977 en el Festival de Edimburgo junto al tenor español Plácido Domingo.

En 1991 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

 En 1994 fue elegida miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, primera mujer en obtener esta distinción.

 Su repertorio incluye también el recital con canción francesa, aria italiana y lied, además de poseer una extensa discografía en la que se incluyen zarzuelas; la música española es otra de sus especialidades.

Actualmente, Berganza es profesora titular de la Cátedra de Canto en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Asimismo, dicta clases maestras en varias partes del mundo. Además le han dedicado un conservatorio en Madrid, el conservatorio Teresa Berganza. Es Premio Nacional de Música de España.

 En 2013 celebra su 80 cumpleaños.

Parte de: http://www.biografiasyvidas.com/

La leyenda del gato


Cuenta una vieja leyenda que un buen tiempo después del diluvio universal, Noé estaba a bordo de su arca esperando a que las aguas que cubrían la faz de lagatos3 Tierra bajaran su nivel. Cuando notó que los ratoncillos que habían embarcado junto con las parejas de todas las especies de animales que poblaban por aquel entonces el planeta para salvarlas del diluvio, se estaban reproduciendo rápidamente, poniendo en serio peligro las provisiones de alimento.

Preocupado por la situación, Noé le preguntó al Señor qué debía hacer para tomar una decisión justa. El Señor le ordenó acariciar tres veces la cabeza del león. Siguió al pie de la letra las instrucciones y ante las caricias, el rey de la selva estornudó ruidosamente y de la enorme nariz del león, nació la primera pareja de gatos.

Inmediatamente, éstos se pusieron a trabajar y eliminaron con prontitud a los hambrientos roedores de los cuales sólo quedó la pareja que en la jaula debía perpetuar.

Muchos músicos famosos se han inspirado en el maullido de los gatos para hacer sus grandes sinfonías: Doménico Scarlatti compuso la “Fuga del Gato”, Rossini, en los años de madurez realizó “Duetto buffo di due gatti”, Maurice Ravel escribió un dueto entre gatos en su breve fantasía lírica “L’enfant et les soriléges”. Otros gatos fueron personajes de ballets como el de “Paso a dos” de La Bella Durmiente de Tchaikovsky:

 

Inma Shara


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Este es el nombre artístico de la directora de orquesta y compositora,  Inmaculada Lucía Sarachaga que nace en 1972 en Amurrio en la provincia de Alava (España). Es una de las más brillantes representantes de la nueva generación de directores de España.

Desde muy pequeña tuvo contacto con todas las artes: teatro, danza, música… pero la que realmente marcó su vida y le llamó la atención especialmente fue la música, de tal manera que se dedicó absolutamente a ella. Ella misma dice que su vida es como un sueño hecho realidad.

Estudió en el Conservatorio de música de Bilbao y en el de Vitoria. Fue alumna de Alexander Rahbari y Sir Colin Davis y colaboró con Zubin Mehta. Ha dirigido las principales orquestas sinfónicas españolas, así como la Sinfónica Nacional Checa, la Sinfónica Nacional de Rusia, la London Philharmonic Orchestra y la Royal Philharmonic Orchestra, entre otras. En junio de 2007, dirigió la orquesta del Teatro Regio di Parma en el concierto inaugural del Festival de Ravello.

En diciembre de 2008 se celebró un concierto para conmemorar el 60 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, presidido por Su Santidad el Papa Benedicto XVI en el Vaticano, bajo la batuta de nuestra directora, Inma Shara (primera mujer que tiene este honor).

Ha sido galardonada con el premio a la Excelencia Europea por su proyección internacional y su aportación a la música clásica, igualmente ha sido nombrada “Embajadora Honoraria de la Marca España”, este premio se le concede por ser una de las figuras más brillantes de la nueva generación de directores de orquesta de España y por su trayectoria profesional.

Ha dirigido el concierto de clausura del Día de Europa de la Expo Universal de Shanhgai 2010 al frente de la Joven Orquesta Europea.

Os cuelgo un vídeo para que veáis a nuestra directora en acción, poco tengo que decir de la pieza que suena porque seguro que todos la conocéis, se trata de un fragmento de la banda sonora de la película  Star Wars (La Guerra de las Galaxias) como habréis adivinado. Espero que os guste. (Es el de mejor calidad que he encontrado)

En relación con nuestra directora me parece muy interesante reseñar un trabajo que sale al mercado a partir del día 23 de noviembre, se titula “La Isla de los Sonidos” ,  se trata  un libro con un cuento infantil y un CD de música clásica para iniciar en la música de una manera divertida a los más pequeños.

La Isla de los Sonidos es un cuento hecho música o la música hecha cuento. La historia en imágenes que se incluye en el magnífico libro ilustrado que acompaña al álbum sirve para seguir un acompañamiento musical en el que se mezclan obras clásicas de Mozart, Tchaicovsky, Saint-Saëns, Rossini, Grieg o Strauss con las melodías de La guerra de las galaxias o Piratas del Caribe. La Isla de los Sonidos estimula el desarrollo integral de los niños y está pensado como un viaje de iniciación a la música clásica y orquestal desde un punto de vista lúdico, pedagógico y educativo. El álbum contiene un CD con 13 obras, un cuento infantil ilustrado y un DVD con el cuento animado.

Inma Shara, dirigiendo a la Orquesta Sinfónica Nacional Checa en una grabación especial para este proyecto, ofrece el siguiente repertorio:

  1. La bella durmiente (Op. 66) – P.I. Tchaikovsky
  2. Serenata nº 13 para cuerdas «Pequeña serenata nocturna» –  W.A. Mozart
  3. La entrada de los gladiadores –  Julius Fucik
  4. El baile de los caníbales – Marketa Mazuorova
  5. La guerra de las galaxias (tema principal) – John Williams
  6. He’s a Pirate (Piratas del Caribe:La maldición de la Perla Negra) – Klaus Badelt
  7. Sinfonía de los juguetes – Leopoldo Mozart
  8. El viejo gruñón – Julius Fucik
  9. Sleigh Ride – Leroy Anderson
  10. El carnaval de los animales: Aquarium – Camille Saint-Saëns
  11. En la gruta del rey de la montaña – Edward Grieg
  12. Obertura de Gullermo Tell (final) – G. Rossini
  13. Marcha Radetzky (Op. 228) – Johann Strauss

Podéis leer sobre algunos de estos autores y oir varias de estas piezas en este blog.

¿Qué es la musicoterapia?


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Por definición la musicoterapia es la curación mediante la música ( terapia= curación,tratamiento, y música= combinación de sonidos y ritmo)  . Pero, ¿así de simple?, no, la terapia mediante la música va mucho más allá, podríamos decir que este poder de la música se utiliza en la consecución de objetivos terapéuticos, manteniendo, mejorando y restaurando el funcionamiento físico, cognitivo, emocional y social de las personas. Podríamos decir que es a la vez un arte, una ciencia y un proceso interpersonal.

Según la American Music Therapy Association (AMTA):

“Es la utilización de la música y/o de los elementos musicales (sonido, ritmo, melodía y armonía) por un musicoterapeuta cualificado, con un paciente o un grupo de pacientes, en un proceso para facilitar y promover la comunicación, la relajación, el aprendizaje, la motricidad, la expresión, la organización y otros relevantes objetivos terapéuticos con el fin de satisfacer las necesidades físicas, emocionales, mentales, sociales y cognitivas.”

“»Es el uso de la música en la consecución de objetivos terapéuticos: la restauración, mantenimiento y acrecentamiento de la salud tanto física como mental. Es la aplicación sistemática de la música, dirigida por el musicoterapeuta en un ámbito terapéutico para provocar cambios en el comportamiento.”

La musicoterapia hace uso de sonidos, trozos musicales y estructuras rítmicas para conseguir diferentes resultados terapéuticos directos e indirectos a nivel psicológico, psicomotriz, orgánico y energético.

“La musicoterapia tiene su origen en la noche de los tiempos. Los primeros musicoterapeutas son los chamanes, médicos brujos tribales quienes comienzan a utilizar cánticos, salmodias, susurros y estructuras rítmicas repetitivas para inducir estados de conciencia a nivel colectivo con fines catárticos y religiosos. Se tienen evidencias del uso ritual de la música en casi todas las grandes culturas de la antigüedad. Los griegos (Pitágoras, Platón, Aristóteles …) y los egipcios nos cuentan acerca de los efectos psicológicos de diferentes escalas y modos musicales. De la misma manera, hindúes, chinos y japoneses antiguos, reconocen en sus ragas y modos pentatónicos, estructuras musicales aplicables a diversas actividades y estados de ánimo. A partir de tales tradiciones, durante el presente siglo se ha sistematizado el estudio de los efectos psicológicos y orgánicos de la música y se ha reconocido a la musicoterapia como vertiente terapéutica de valor concreto.”

Juan José Lopera

Médico y Terapeuta (Sintergética, Musicoterapia y Sanación)

musicoterapiaHay muchas disciplinas relacionadas con este método, psicología, psiquiatría, psicoterapia, educación especial, etc. y tiene diversas aplicaciones en muy distintos campos.

Uno de los usos cotidianos más simples y difundidos de la musicoterapia es la regulación del estado de ánimo. Se utilizan trozos musicales para alegrarnos en la depresión o para calmarnos en medio de estados de excitación producidos por la rabia, el estrés o el temor.

También se pueden utilizar trozos musicales para mejorar el aprendizaje, ejercicios rítmicos para mejorar la coordinación y la resistencia física. La música, bien empleada, puede facilitar el contacto con bloqueos emocionales concretos y producir la catarsis necesaria para la resolución del conflicto.

Se ha comprobado como la música es capaz de afectar notablemente a la actividad cerebral y por tanto afectar a los patrones cognitivos, y a las funciones vegetativas (frecuencia cardiaca, ritmo respiratorio, etc). También parece ejercer una cierta influencia en la capacidad de aprender y en la estimulación psicomotriz.

Beneficios de la musicoterapia en los niños

Todo lo que es música, para un niño, siempre es positivo. Pero debemos tener en cuenta que ésta debe ser siempre adaptada a sus oídos, a su capacidad demusicoterapia1 escucha; a su edad.

A un niño, la musicoterapia le puede ir muy bien para mejorar el aprendizaje, la coordinación, controlar la ansiedad y mejorar el estado de ánimo, entre otros. Pero, sobre todo para ayudarle a organizarse a nivel interno. La influencia de la música es mucho mayor de lo que creemos.

Cuanto antes se exponga la música al niño más beneficios le aportará, sea como terapia o sea como uso lúdico. De hecho, el uso de canciones para enseñar habilidades académicas, sociales y motoras a niños pequeños se ha convertido en una práctica común para algunos profesores y educadores de música y, por supuesto, para muchos musicoterapeutas de los Estados Unidos.

Hay muchos estudios que demuestran que la música y sus componentes producen patrones de actividad eléctrica cerebral. Esto lleva a una mayor eficacia a nivel del funcionamiento del cerebro no sólo como rector de los procesos cognitivos sino también como regulador de las funciones vegetativas del organismo.

 musicoterapia3 Logrando una estimulación musical en la que participen activamente se promueve el desarrollo físico, mental, intelectual, sensorial y afectivo de los niños. Esto repercutirá favorablemente sobre otros de los objetivos educativos a los que se aspiran tales como la atención, la concentración, colaborando en el desarrollo de la imaginación y la creatividad así como en la desinhibición.

Con este tipo de actividades se busca desarrollar también la coordinación motriz, el movimiento, la marcha, lograr cierta discriminación auditiva; y que adquieran destrezas y medios que le mejoren la expresión oral, perfeccionando la articulación, vocalización, el control de la voz, incluso se logra mejorar la respiración y el funcionamiento de los órganos que intervienen en ella.

Se refuerza la autoestima y la personalidad mediante la realización personal, y se acentúan pautas de conducta que facilitan su integración social y liberan la energía reprimida.

También es efectiva para la recuperación de los bebés hospitalizados en cuidados intensivos.

Algunas piezas de música clásica y autores propios para musicoterapia:

He enlazado las piezas que  ya están incluidas en este blog, el resto las iré insertando poco a poco.

Obras relajantes:

Beethoven: Minueto, Sinfonía heroica, Para Elisa, sonata Claro de Luna

Brahms: Vals op.39 N15,Canción de cuna

Bach: Largo de concierto en la suite en si bemol, concierto de Brandemburgo.

Bach: Aria en sol

Pachelbel: Canon

Schubert: Sinfonía inacabada, Ave María

Vivaldi: Concierto para oboe

Mozart: Concierto nº 3 para violín

Chopin: Tristeza

Albinoni: Adagio

Saint-Saëns: Carnaval de los Animales

Offenbach: Barcarola

Tchaikowsky: Sexta sinfonía

Debussy: El mar, Claro de Luna

Wagner: Preludio de Parsifal

Fajerman: Flowers of Love

Stivell: Renacimiento del arpa

Haendel: Música acuática

Obras Estimulantes:

Wagner: La gran marcha de Tannhauser, el final de los Maestros cantores, la Obertura de Rienzi

Boccherini: Minuetto

Mozart: Minueto Don Juan

Borodin: El Príncipe Igor

Popular escocesa: Días Lejanos

Popular napolitana: Santa Lucía

Obras energizantes:

Elgar: Pompa y Circunstancia

Verdi: Marcha triunfal de Aida

Tchaikowsky: Marcha Eslava

Mozart: Marcha Turca, Las Bodas de Fígaro, Serenata, Sinfonía Júpiter

Faure: In Paradisum

Toselli: Serenata

Rossini: Obertura de Guillermo Tell

Schubert: Momento musical

Dúo de los gatos – G. Rossini


 Es este un dueto buffo que fue escrito por Rossini. El famoso y cómico «Dúo de los gatos» sólo consta de la palabra «miau» repetida de múltiples formas que entrañan gran dificultad para sus intérpretes.

G. Rossini tenía un gran sentido del humor y no le hacía ninguna gracia que los cantantes modificaran las partituras de sus óperas en beneficio de su propio lucimiento, osadía en la que, a principios del siglo XIX, las sopranos eran auténticas virtuosas. Se desconoce con certeza si algo de lo segundo tuvo que ver en la composición de esta pequeña pieza para piano y dos voces femeninas, generalmente soprano y mezzosoprano, pero lo cierto es que llamó poderosamente la atención que el gran Rossini hiciera cantar a dos gatos. La compuso el maestro en honor de un par de gatos que todas las mañanas venían a visitarlo a su ventana en su casa de Padua.