La leyenda de Tristán e Isolda

Tristán e Isolda es una leyenda popular, contada por los trovadores que eran músicos y poetas medievales que narraban los cuentos e historias a las gentes en la edad media cuando no había otro método de conocerlas (no había televisión ni radio y los libros solo sabían leerlos unos cuantos y casi siembre eran monjes). Posteriormente fue recopilada por varios autores entre los que se encuentra Godofredo de Estrasburgo, obra en la que se basó Richard Wagner para escribir su ópera.

Tristán era sobrino y heredero del rey Marco de Cornualles (hijo de su hermana Blancaflor y el Rey Rivalén), héroe de esta región del sur oeste de Inglaterra, se dice que fue el segundo caballero más valiente del mundo, por detrás solo de Lancelot, y uno de los caballeros de la Mesa Redonda del Rey Arturo, de quien seguro habréis oído hablar.

Isolda de Irlanda, también conocida como Isolda la rubia, era la hija del rey irlandés Anguish y de Isolda, la reina madre.

La historia cuenta que el  rey Marco busca esposa a instancias de Tristán que le aconsejó que se casara. Un día recibe, mediante una paloma, un mechón de pelo rubio, e insiste en casarse con su dueña que resulta ser Isolda de Irlanda, y envía a Tristán a buscarla. Al regresar con ella en el barco desde Irlanda, beben por accidente una pócima de amor que había preparado la madre de Isolda para su hija y el rey Marco, por lo que ambos caen perdidamente enamorados el uno del otro.

El rey Marco descubre a su esposa Isolda junto a su sobrino Tristán a solas en un jardín del palacio. El enano Frocín, le advirtió que su esposa se vería allí con Tristán. El rey envía a un espía que se sube a un árbol para espiarlos y su imagen se refleja en un charco, Isolda lo ve e inmediatamente cambia la conversión con Tristán, diciéndole que en la corte andan rumores que ella le es infiel a su esposo y que ella jamás haría eso porque lo ama y le es fiel. El rey al conocer las palabras de su amada, la perdona. Pero tiempo después los encuentra otra vez juntos y los sentencia a muerte.

Cuando son llevados al juicio, Tristán logra escapar lanzándose desde un precipicio que llegaba a un bosque. Entonces, el rey, decide no ejecutar a Isolda, sino darle un castigo más cruel: la entrega a un grupo de leprosos que llegan a la ejecución y que, cautivados por la belleza de la joven, la solicitan para que viva con ellos. Cuando Isolda parte con los leprosos se encuentra a Tristán en el bosque, la rescata de los leprosos y se va a vivir con ella en medio del bosque. Allí pasan tres años, viviendo en malas condiciones y padeciendo toda clase de infortunios, pero ellos están tan enamorados que nada les importa.

Llega el día en que la pócima que ambos bebieron termina su efecto y Tristán e Isolda, avergonzados de su comportamiento, se arrepienten de haber dejado la corte, así que parten de regreso a solicitar el perdón del rey Marco, quien debe elegir entre su esposa y su corte.

Richard Wagner escribe una ópera en tres actos, con libreto del propio compositor, está basada, como he dicho antes en la recopilación escrita por Godofredo de Estrasburgo , a su vez basada en la leyenda celta de Tristán. Wagner se inspiró en el romance que mantuvo con la poetisa Matilde Wesendonck (esposa de su mejor amigo). Trabajó en esta obra desde 1856 hasta 1859, y se estrenó en el Königliches Hof und Nationaltheater de Munich el 1 de junio de 1865.

Puedes ver la película sobre Tristán e Isolda pinchando sobre esta fotografía:

Pincha encima para ver la película

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Claude Debussy

Claude Achille Debussy nace en St. Germain-en-Laye, el 22 de agosto de1862 y muere en París el 25 de marzo de 1918. Fue un compositor francés principal representante de lo que se ha llamado “impresionismo musical” junto a nuestro ya conocido Mauricio Ravel.

Su padre, Manuel-Achille Debussy regentaba una tienda de porcelana y trabajaba en la imprenta de Gianfranco Castronovo y su madre era Victorine Manoury

Empezó a estudiar piano desde pequeño en casa de su tía Clementina Debussy e ingresó en 1873 en el Conservatorio de París donde adquirió fama de músico revolucionario aunque, en 1884 logró el «Prix de Rome» con la cantata El hijo pródigo que consistía en pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis .

Hizo un paréntesis en sus estudios en el verano de 1880, trabajando de acompañante como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora de Tchaikovsky y fanática de su música, en sus viajes a través de la Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del «grupo de los Cinco».

Noctámbulo y asiduo a los ambientes de café, de escasos recursos económicos y con variados problemas personales, Claude Debussy atravesó periodos de depresión y otros de auge y notoriedad pública. El progresivo distanciamiento de sus padres o la ruptura de su compromiso con Thérèse Roger no impidieron su gran ritmo de trabajo. Entre 1892 y 1894 compone sus obras para orquesta  más reveladoras.

En 1909 le diagnosticaron un cáncer que acabaría con su vida 9 años después. Murió el 25 de marzo de 1918, cuatro días después del comienzo de una poderosa ofensiva de los alemanes en Arrás, 150 km al norte de París.

Entre sus más de cien obras se encuentran óperas, piezas de piano, piano a cuatro manos, música orquestal, ballet, música vocal, piezas para flauta, clarinete, … etc.

El “Rincón de los Niños” es una suite para piano compuesta por Claude Debussy que dedicó a su hija, Claude-Emma (conocida como «Chou-Chou»), que tenía tres años en ese momento. Fue publicada en 1908, y se estrenó en París:

 

Parte de: http://www.biografiasyvidas.com/

Parsifal – Richard Wagner

Parsifal es el protagonista y de la ópera compuesta por Richard Wagner desde 1854 hasta 1882 en que se extrenó, basada en una obra del poeta alemán  Wolfram von Eschenbach.

 En ella, sus principales personajes representan:

 Parsifal – la redención

Amfortas – el remordimiento

Titurel – voz del antepasado

Klingsor – el Mago negro

Kundry –la seducción

Gurnemanz – la tradición.

 La obra se sitúa en el siglo XI, en un bosque cercano al lago del castillo de Monsalvat, Gurmemanz y sus soldados ven pasar la procesión que lleva a Amfortas (el hijo de Titurel) a un lago cercano para curar sus heridas (que solo se curarán si se frotan con la Lanza Sagrada (la que usó el soldado para herir a Jesús en el costado) .

 Kundry, una mujer bárbara, ofrece un bálsamo para Gurnemanz. Gurnemanz cuenta a sus caballeros que Kundry sedujo a Amfortas y después fue herido en una lucha por Klingsor. Lucha en la que perdió Amfortas la Lanza Sagrada que solo podrá recuperar un hombre simple convertido en sabio. Es aquí cuando aparece Parsifal, un joven al que creen el único redentor de Amfortas.

ACTO I

 Bosque a orillas de un lago en los dominios del santo Grial. Ningún remedio puede curar la herida de Amfortas. Según una profecía, solamente podrá salvarle un espíritu simple y puro de corazón, a quien la piedad haya hecho prudente y sabio. Entre gritos airados es atraído un cazador furtivo que, habiendo penetrado en el sagrado coto, acaba de matar un cisne; los caballeros exigen su pronto castigo. El cazador reconoce su falta y, dolorido, rompe su arco; es reconocido por Kundry, que sabe en detalle la vida del joven Parsifal. Gurnemanz cree ver en Parsifal el elegido para salvar a Amfortas y le invita a presenciar la ceremonia de la consagración del santo Grial para probarle. Al no obtener éxito, le expulsa.

 ACTO II

Castillo de Klingsor. El mago, para conseguir la perdición del joven héroe, trata de servirse de Kundry. Parsifal inicia la lucha contra el maléfico poder de Klingsor y, en un lujuriante jardín mágico, Parsifal se ve asaltado por la tentación de las doncellas. Pero él sabe triunfar sobre la tentaciones carnales y recordando el santo Grial se dispone a huir. Kundry, le detiene para hablarle de su madre Herzeleid y despertar en Parsifal amorosos anhelos. Kundry le besa apasionadamente y despierta sus sentidos. Así nace también la comprensión, y se da cuenta del dolor de Amfortas, sintiendo deseos de contribuir a la curación de su vieja herida, Kundry, despechada al verse repudiada, maldice a Parsifal y pide a Klingsor que le mate; el mago arroja fieramente la Lanza Sagrada contra el joven caballero, mas el arma queda suspendida en el aire sobre la cabeza de Parsifal; éste la empuña y al trazar con ella el signo de la cruz el mágico jardín queda súbitamente destruido. Parsifal se aleja llamando a Kundry a la senda del bien.

ACTO III

Gurnemanz pide al cielo su muerte, desesperado ante la tragedia de Amfortas. Es el día de Viernes Santo y en él se espera que el santo Grial opere grandes maravillas. Un caballero se acerca entonces, vistiendo armadura negra y cubierto el rostro. Al levantar la visera, Gurnemanz reconoce en él a Parsifal, el salvador que vuelve. Tras ungir Gurnemanz al héroe y bautizar éste a Kundry, se encamina al castillo en que se guarda el Sagrado Cáliz. Allí, Parsifal, tocando la herida del rey con la lanza, logra instantáneamente una milagrosa curación, alza el cáliz resplandeciente y Kundry cae redimida a sus pies. Desde la altura desciende la Santa Paloma, que viene a posarse sobre la cabeza del héroe.

 El bello preludio del tercer acto comenta las andanzas de Parsifal, siempre agobiado por el recuerdo de la maldición de Kundry y sediento de encontrar por fin el castillo de Montsalvat en que deberá depositar la Lanza Sagrada que lleva consigo.

 

Hay que destacar especialmente también  la “Marcha fúnebre” del rey Titurel.

 En la escena final se entrelazan los temas de la Santa Cena, el Grial (Cáliz usado por Cristo en la Ultima Cena) , la fe y las campanas del templo.

Richard Strauss

También llamado «Strauss el bávaro». Nació el 11 de junio de 1864 en Munich y falleció el 8 de septiembre de 1949 en Garmisch-Partenkirchen. Hijo de Franz Strauss, un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los cuatro años de edad. A los siete años escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad. A los 21 años ya debutó como director de orquesta, primero en Meiningen y después en Munich. A lo largo de su vida dirigió las principales orquestas de ópera de Alemania y Austria.

En 1894 se casó con la soprano Pauline de Ahna con quien tendría a su hijo Franz en 1897.

Entre 1919 y 1924 trabajó como director artístico de la Ópera de Viena. Durante el régimen nazi en Alemania desempeñó el cargo de director honorario del departamento de música del Tercer Reich (1933-1935). Strauss permaneció en Alemania durante la II Guerra Mundial.

La obra de Strauss puede dividirse en tres periodos:

Las composiciones del primer periodo (1880-1887), raramente interpretadas actualmente, muestran una gran influencia de los maestros clásicos y románticos y son de una gran perfección, entre ellas pueden citarse

• Sonata para violonchelo y piano
• Burleske para piano y orquesta
• Fantasía sinfónica Aus Italien

En su segundo periodo (1887-1904), en el que consiguió una gran maestría en el arte de la orquestación, Strauss creó una serie de obras que figuran en el repertorio habitual. Perfeccionó el poema sinfónico y utilizó el sistema del leitmotiv que había sido desarrollado principalmente por el compositor alemán Richard Wagner.  Entre las obras de este periodo se encuentran:

• Don Juan
• Macbeth
• Muerte y transfiguración
• Till Eulenspiegel
• Así habló Zaratustra (inspirado en la obra del mismo título del filósofo Friedrich Nietzsche.)
• Don Quijote
• Vida de héroe

Oímos aquí un pequeño fragmento de Don Quijote:

El tercer periodo (1904-1949) pertenecen las óperas, más importantes del siglo XX. A raíz del éxito de la primera, Salomé (1905), Strauss se asoció con el poeta y libretista austriaco Hugo von Hofmannsthal, con el que produjo sus mejores óperas:

• Elektra
• El caballero de la rosa
• Ariadna de Naxos
• La mujer sin sombra
• Elena egipcia
• Arabella

 A la muerte de Hofmannsthal, Strauss siguió escribiendo óperas con otros libretistas, aunque con menor éxito; entre ellas pueden citarse:

• La mujer silenciosa
• Daphne
• Capriccio

Strauss también compuso más de 100 canciones, y ballets como La Leyenda de José, las obras sinfónicas:

• Sinfonía doméstica
• Sinfonía de los Alpes
• Cuatro últimas canciones

¿Qué es la musicoterapia?

Por definición la musicoterapia es la curación mediante la música ( terapia= curación,tratamiento, y música= combinación de sonidos y ritmo)  . Pero, ¿así de simple?, no, la terapia mediante la música va mucho más allá, podríamos decir que este poder de la música se utiliza en la consecución de objetivos terapéuticos, manteniendo, mejorando y restaurando el funcionamiento físico, cognitivo, emocional y social de las personas. Podríamos decir que es a la vez un arte, una ciencia y un proceso interpersonal.

Según la American Music Therapy Association (AMTA):

“Es la utilización de la música y/o de los elementos musicales (sonido, ritmo, melodía y armonía) por un musicoterapeuta cualificado, con un paciente o un grupo de pacientes, en un proceso para facilitar y promover la comunicación, la relajación, el aprendizaje, la motricidad, la expresión, la organización y otros relevantes objetivos terapéuticos con el fin de satisfacer las necesidades físicas, emocionales, mentales, sociales y cognitivas.”

“»Es el uso de la música en la consecución de objetivos terapéuticos: la restauración, mantenimiento y acrecentamiento de la salud tanto física como mental. Es la aplicación sistemática de la música, dirigida por el musicoterapeuta en un ámbito terapéutico para provocar cambios en el comportamiento.”

La musicoterapia hace uso de sonidos, trozos musicales y estructuras rítmicas para conseguir diferentes resultados terapéuticos directos e indirectos a nivel psicológico, psicomotriz, orgánico y energético.

“La musicoterapia tiene su origen en la noche de los tiempos. Los primeros musicoterapeutas son los chamanes, médicos brujos tribales quienes comienzan a utilizar cánticos, salmodias, susurros y estructuras rítmicas repetitivas para inducir estados de conciencia a nivel colectivo con fines catárticos y religiosos. Se tienen evidencias del uso ritual de la música en casi todas las grandes culturas de la antigüedad. Los griegos (Pitágoras, Platón, Aristóteles …) y los egipcios nos cuentan acerca de los efectos psicológicos de diferentes escalas y modos musicales. De la misma manera, hindúes, chinos y japoneses antiguos, reconocen en sus ragas y modos pentatónicos, estructuras musicales aplicables a diversas actividades y estados de ánimo. A partir de tales tradiciones, durante el presente siglo se ha sistematizado el estudio de los efectos psicológicos y orgánicos de la música y se ha reconocido a la musicoterapia como vertiente terapéutica de valor concreto.”

Juan José Lopera

Médico y Terapeuta (Sintergética, Musicoterapia y Sanación)

Hay muchas disciplinas relacionadas con este método, psicología, psiquiatría, psicoterapia, educación especial, etc. y tiene diversas aplicaciones en muy distintos campos.

Uno de los usos cotidianos más simples y difundidos de la musicoterapia es la regulación del estado de ánimo. Se utilizan trozos musicales para alegrarnos en la depresión o para calmarnos en medio de estados de excitación producidos por la rabia, el estrés o el temor.

También se pueden utilizar trozos musicales para mejorar el aprendizaje, ejercicios rítmicos para mejorar la coordinación y la resistencia física. La música, bien empleada, puede facilitar el contacto con bloqueos emocionales concretos y producir la catarsis necesaria para la resolución del conflicto.

Se ha comprobado como la música es capaz de afectar notablemente a la actividad cerebral y por tanto afectar a los patrones cognitivos, y a las funciones vegetativas (frecuencia cardiaca, ritmo respiratorio, etc). También parece ejercer una cierta influencia en la capacidad de aprender y en la estimulación psicomotriz.

Beneficios de la musicoterapia en los niños

Todo lo que es música, para un niño, siempre es positivo. Pero debemos tener en cuenta que ésta debe ser siempre adaptada a sus oídos, a su capacidad de escucha; a su edad.

A un niño, la musicoterapia le puede ir muy bien para mejorar el aprendizaje, la coordinación, controlar la ansiedad y mejorar el estado de ánimo, entre otros. Pero, sobre todo para ayudarle a organizarse a nivel interno. La influencia de la música es mucho mayor de lo que creemos.

Cuanto antes se exponga la música al niño más beneficios le aportará, sea como terapia o sea como uso lúdico. De hecho, el uso de canciones para enseñar habilidades académicas, sociales y motoras a niños pequeños se ha convertido en una práctica común para algunos profesores y educadores de música y, por supuesto, para muchos musicoterapeutas de los Estados Unidos.

Hay muchos estudios que demuestran que la música y sus componentes producen patrones de actividad eléctrica cerebral. Esto lleva a una mayor eficacia a nivel del funcionamiento del cerebro no sólo como rector de los procesos cognitivos sino también como regulador de las funciones vegetativas del organismo.

  Logrando una estimulación musical en la que participen activamente se promueve el desarrollo físico, mental, intelectual, sensorial y afectivo de los niños. Esto repercutirá favorablemente sobre otros de los objetivos educativos a los que se aspiran tales como la atención, la concentración, colaborando en el desarrollo de la imaginación y la creatividad así como en la desinhibición.

Con este tipo de actividades se busca desarrollar también la coordinación motriz, el movimiento, la marcha, lograr cierta discriminación auditiva; y que adquieran destrezas y medios que le mejoren la expresión oral, perfeccionando la articulación, vocalización, el control de la voz, incluso se logra mejorar la respiración y el funcionamiento de los órganos que intervienen en ella.

Se refuerza la autoestima y la personalidad mediante la realización personal, y se acentúan pautas de conducta que facilitan su integración social y liberan la energía reprimida.

También es efectiva para la recuperación de los bebés hospitalizados en cuidados intensivos.

Algunas piezas de música clásica y autores propios para musicoterapia:

He enlazado las piezas que  ya están incluidas en este blog, el resto las iré insertando poco a poco.

Obras relajantes:

Beethoven: Minueto, Sinfonía heroica, Para Elisa, sonata Claro de Luna

Brahms: Vals op.39 N15,Canción de cuna

Bach: Largo de concierto en la suite en si bemol, concierto de Brandemburgo.

Bach: Aria en sol

Pachelbel: Canon

Schubert: Sinfonía inacabada, Ave María

Vivaldi: Concierto para oboe

Mozart: Concierto nº 3 para violín

Chopin: Tristeza

Albinoni: Adagio

Saint-Saëns: Carnaval de los Animales

Offenbach: Barcarola

Tchaikowsky: Sexta sinfonía

Debussy: El mar, Claro de Luna

Wagner: Preludio de Parsifal

Fajerman: Flowers of Love

Stivell: Renacimiento del arpa

Haendel: Música acuática

Obras Estimulantes:

Wagner: La gran marcha de Tannhauser, el final de los Maestros cantores, la Obertura de Rienzi

Boccherini: Minuetto

Mozart: Minueto Don Juan

Borodin: El Príncipe Igor

Popular escocesa: Días Lejanos

Popular napolitana: Santa Lucía

Obras energizantes:

Elgar: Pompa y Circunstancia

Verdi: Marcha triunfal de Aida

Tchaikowsky: Marcha Eslava

Mozart: Marcha Turca, Las Bodas de Fígaro, Serenata, Sinfonía Júpiter

Faure: In Paradisum

Toselli: Serenata

Rossini: Obertura de Guillermo Tell

Schubert: Momento musical

Lohengrin – Richard Wagner

Lohengrin es una ópera romántica en tres actos con música y libreto de Richard Wagner. Fue estrenada en Weimar el 28 de agosto de 1850.

Fue un éxito inmediato. Se la considera la más «italiana» de las óperas wagnerianas, incluso se acostumbra a interpretar en concierto escenas y fragmentos de la ópera. Así, las partes más conocidas son los preludios del primer y tercer acto, el aria final de Lohengrin “In fernem Land” y la marcha y coro nupcial, que también se interpreta tradicionalmente en las bodas en algunos países occidentales.

El personaje de Lohengrin está compuesto para tenor lírico-heroico, Elsa para soprano lírico-dramática, Ortrud para una mezzosoprano dramática (aunque es también interpretada por sopranos dramáticas) y Telramund para barítono.

Según se narra en un poema épico del siglo XIII, y otras fuentes relacionadas con él, al morir el duque de Brabante, le solicitó a su única hija, Elsa, que se casara con uno de sus caballeros, Friedrich de Telramund.

Sin embargo, Elsa rechaza a Friedrich. Éste, indignado, se queja ante el Emperador, Enrique el Cazador, de que Elsa ha roto su promesa y luego la acusa, además, de haber matado a su padre. Ante esta acusación injusta y sin que nadie la defienda, Elsa rezará invocando ayuda. La oración hace que suene la campana del Montsalvat, en el reino del Grial, señalando que alguien está en peligro. Entonces, Lohengrin, un caballero del Grial, va a rescatarla con ayuda de un cisne mágico.

Lohengrin vence a Friedrich en un combate singular probando así la la inocencia de Elsa. Cumpliendo con las normas de la cortesía caballerezca, no lo mata aunque el emperador luego, lo condenará a muerte.

Lohengrin se casa entonces con Elsa convirtiéndose en el duque de Brabante. La condición era muy clara: ella jamás podría preguntar cómo se llama o dónde vive. El propio Grial había dispuesto que cuando alguno de sus caballeros salieran del reino del Grial, lo habrían de hacer en el más absoluto anonimato, de manera tal que si se descubriera su identidad estarían irreversiblemente obligados de regresar.

Pasados varios años, luego de tener unos cuantos hijos, Elsa no puede soportar la curiosidad. En el relato original, son las burlas de la duquesa de la Cleves las que la animan a romper el pacto (en la opera de Wagner lo hace por la insistencia de Ortud, la esposa de Friedrich). Finalmente, Elsa realiza la pregunta prohibida. Lohengrin debe pues, regresar a proteger el Grial, dejando a su dama sola, acompañada tan solo por su espada, su cuerno y su anillo como toda herencia para sus hijos.

El trombón

¿Cómo se hace el trombón?

 

El trombón es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-metal, con un registro más grave que el del corno.

El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).

Consta de la boquilla acoplada a un tubo cilíndrico con forma de U, de aproximadamente 3 metros de largo, doblado sobre sí mismo y conectado a una sección cónica que se ensancha en forma de campana.

La sección telescópica (tubo móvil o vara) hace posible variar la longitud del tubo, y por lo tanto alterar la frecuencia resonante. El trombón es el único instrumento, además de la familia del violín, con los cuales es posible obtener una frecuencia continua deslizante de un lado a otro del rango de frecuencias de la fundamental.

Partes del trombón:

1. Deslizador de afinación
2. Boquilla
3. Corneta
4. Liberador de agua
5. Manopla principal
6. Puente
7. Puente
8. Traba de deslizamiento

El tono se determina según la posición de la vara, los labios del músico y la presión de aire; por lo tanto, el instrumentista debe tener un agudo sentido del tono y la habilidad requerida para producir la nota correcta, casi, instantáneamente. Esto implica que la nota debe ser creada por el músico y no que viene dada servida por el instrumento.

En la familia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños, se puede clasificar según el sonido particular que emite y por tanto las notas y claves que le cambia la altura de las notas utilizando un sistema de válvulas y pistones. El sonido es distinto y exagera cualquier imprecisión en la entonación.

Según su tamaño

• Trombón soprano
• Trombón alto
• Trombón tenor (usual)
• Trombón bajo
• Trombón contrabajo
• Trombón Buccin

En la orquesta se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo.

El trombón, como los otros instrumentos de viento, tuvo su origen en la barra hueca y los cuernos de los animales

Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa y desde el siglo XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica contribuyendo a ello tanto Berlioz como otros compositores importantes de la época y,fue Wagner, quien le dio una posición estable.

Durante el siglo XVIII el acampanamiento del pabellón del trombón se hizo más pronunciado y los soportes móviles se sustituyeron por abrazaderas firmemente soldadas. La primera parte del siglo fue también testigo de un declive general en la utilización del instrumento. Pero esta tendencia se invirtió a finales del siglo, cuando las bandas militares encontraron útil el trombón y cuando sus asociaciones eclesiásticas y sobrenaturales lo introdujeron en las óperas de Gluck y Mozart.

Nuestro instrumento tiene un uso cada vez más adentrado en el jazz, en el que, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas, así como en géneros diferentes como el reggae, salsa, cumbia etc. lo que se pensó como un instrumento 100% clásico, se ha podido adaptar a través de los años en estos diversos géneros.