La celesta


La celesta es un instrumento musical metalófono (instrumento de percusión en que el sonido se produce golpeando con baquetas o macillos una o varias hileras de barrascelesta metálicas a modo de teclas), similar a un piano de pared pero más pequeño. Dentro del instrumento, unos martillos golpean láminas metálicas similares a las del glockenspiel. La extensión suele ser de cuatro a cinco octavas cromáticas. Al percutir los macillos sobre las láminas metálicas, se produce un sonido «celestial», de ahí su nombre.

Lo inventó el constructor de armonios francés Victor Mustel entre 1866 y 1868, aunque fue su hijo August quien lo desarrolló.

Los compositores franceses y rusos fueron los primeros en utilizar este instrumento dentro de la orquesta sinfónica. Podemos oírla en El aprendiz de brujo de Paul Dukas, El cascanueces de Tchaikovsky, Romeo y Julieta de Prokofiev, El caballero de la rosa de Richard Strauss, así como Béla Bartók en su  Música para cuerdas, percusión y celeVíctor-Mustel-1815-1890sta.

Dada la gran versatilidad del piano, el uso de la celesta quedó prácticamente relegado.

Acostumbra ocupar el sitio del piano o localizarse a su lado, a la izquierda del director.

La celesta es el instrumento que suena en el «Tema de Hedwig» de la película Harry Potter, compuesto por John Williams. ¿Qué otras piezas conocéis en la que suene este instrumento?

 

Parte de la Wikipedia

Concierto Año Nuevo 2014


Se celebra hoy la 56ª edición de este Concierto de Año Nuevo. Trasladado al 1 de Enero desde 1941, fue entonces cuando pasó a denominarse así oficialmente.

Por segunda vez dirige a la Orquesta Filarmónica de Viena el director argentino, Daniel Barenboin. Este día 1 de enero la orquesta quiere conmemorar el comienzo de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y el nacimiento hace 150 años del compositor Richard Strauss.

Comienza el concierto con una obra que Eduard Strauss dedicó a su esposa Elena, «La bella Elena».

En segundo lugar oímos el vals «Las Palmeras de la Paz» de Joseph Strauss, pieza que servirá para recordar, como he dicho antes, el comienzo de la «Gran Guerra».

Continua el concierto con un galop compuesto por Johann Strauss padre que lleva el nombre de un puente denominado «Carolina».

Ahora, en 4º lugar oímos una divertidísima pieza compuesta por Johan Strauss hijo, «La Marcha Egipcia«.

«Abrazos, millones de personas», un vals escrito por Johann Strauss, constituye la penúltima obra de esta primera parte.

Y terminamos con «Fogoso en el amor y la danza» compuesta también por el mismo autor.

Tras un breve paréntesis para descanso de la orquesta, comenzamos la segunda parte del Concierto de Año Nuevo 2014 con la obertura de la opereta en tres actos, «Waldmesiter» de Johann Strauss hijo, que narra las aventuras del profesor de botánica Erasmus Friedrich Müller.

A continuación una conocidísima polka del mismo autor, «Klipp, Klapp»

Sigue un vals que seguro conocéis y habéis oído muchas veces: «Cuento de los Bosques de Viena» acompañando a la orquesta, la cítara.

Josef Helmesberger Jr. (nacido el 9 de Abril de 1855 y fallecido el 26 de Abril de 1907) es el compositor de esta alegre polka francesa llamada «Amorcito».

Josef Strauss compuso esta polka que podemos oír a continuación, «El ramo»:

Richard Strauss compone la ópera «Capricho» ó «Una pieza de conversación para música» que trata de  la historia de una condesa dividida entre dos pretendientes: Olivier, un poeta, y Flamand, un compositor. De ella oímos «Música a la luz de la luna»:

Josef Lanner fue un compositor austríaco de música instrumental para bailes. Está considerado uno de los primeros compositores vieneses en reformar el vals para que su consideración no fuese algo exclusivamente campesino sino que pudiese ser disfrutado por las clases más altas y sofisticadas, como acompañamiento para el baile o para el deleite de la música por y para la música. Era tan famoso como su amigo y rival Johann Strauss. Podemos ver este representada en ballet su obra «Los románticos»

Interpreta a continuación la Orquesta Filarmónica de Viena una polka mazurca del más pequeño de los Strauss, Josef, llamada «La broma»:

Y del mismo compositor oímos la polkas rápidas «Engaños» y «La travesura»:

El compositor francés Leo Delibes estrena en 1876 el ballet en tres actos «Sylvia» del que es interpretado el «Pizzicato»:

La penúltima pieza del programa del Concierto de Año Nuevo 2014 es la compuesta por Josef Strauss, «Las atracciones secretas». Para finalizar con la polka rápida «Sin angustia»:

Hasta aquí el programa oficial del Concierto pero … como todos los años, en realidad no ha terminado, a partir de la última obra, la Orquesta Filarmónica de Viena, bajo la dirección del genial Daniel Barenboing, nos interpretará 3 piezas más de «propina», la primera es una polka rápida compuesta por Josef Strauss que se titula «A la Carrera»:

La segunda pieza fuera de programa es «El bello Danubio Azul» con la que tanto el director como la orquesta aprovechan para felicitar el Año Nuevo a todo el mundo:

Para terminar con la tradicional Marcha Radetsky :

Richard Strauss


También llamado «Strauss el bávaro».richard-strauss Nació el 11 de junio de 1864 en Munich y falleció el 8 de septiembre de 1949 en Garmisch-Partenkirchen. Hijo de Franz Strauss, un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los cuatro años de edad. A los siete años escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad. A los 21 años ya debutó como director de orquesta, primero en Meiningen y después en Munich. A lo largo de su vida dirigió las principales orquestas de ópera de Alemania y Austria.

En 1894 se casó con la soprano Pauline de Ahna con quien tendría a su hijo Franz en 1897.

Entre 1919 y 1924 trabajó como director artístico de la Ópera de Viena. Durante el régimen nazi en Alemania desempeñó el cargo de director honorario del departamento de música del Tercer Reich (1933-1935). Strauss permaneció en Alemania durante la II Guerra Mundial.

La obra de Strauss puede dividirse en tres periodos:

Las composiciones del primer periodo (1880-1887), raramente interpretadas actualmente, muestran una gran influencia de los maestros clásicos y románticos y son de una gran perfección, entre ellas pueden citarse

  • Sonata para violonchelo y pianor.strauss
  • Burleske para piano y orquesta
  • Fantasía sinfónica Aus Italien

En su segundo periodo (1887-1904), en el que consiguió una gran maestría en el arte de la orquestación, Strauss creó una serie de obras que figuran en el repertorio habitual. Perfeccionó el poema sinfónico y utilizó el sistema del leitmotiv que había sido desarrollado principalmente por el compositor alemán Richard Wagner.  Entre las obras de este periodo se encuentran:

  • Don Juan
  • Macbeth
  • Muerte y transfiguración
  • Till Eulenspiegel
  • Así habló Zaratustra (inspirado en la obra del mismo título del filósofo Friedrich Nietzsche.)
  • Vida de héroe

Oímos aquí un pequeño fragmento de Don Quijote:

El tercer periodo (1904-1949) pertenecen las óperas, más importantes del siglo XX. A raíz del éxito de la primera, Salomé (1905), Strauss se asoció con el poeta y libretista austriaco Hugo von Hofmannsthal, con el que produjo sus mejores óperas:

  • Elektra
  • El caballero de la rosa
  • Ariadna de Naxos
  • La mujer sin sombra
  • Elena egipcia
  • Arabella

 A la muerte de Hofmannsthal, Strauss siguió escribiendo óperas con otros libretistas, aunque con menor éxito; entre ellas pueden citarse:

  • La mujer silenciosa
  • Daphne
  • Capriccio

Strauss también compuso más de 100 canciones, y ballets como La Leyenda de José, las obras sinfónicas:

  • Sinfonía doméstica
  • Sinfonía de los Alpes
  • Cuatro últimas canciones

Funiculí, funiculá


funicul ar

Un funicular (del latín funicŭlus, «cuerda»), es un medio de transporte usado en grandes pendientes, cuenta con dos cabinas enlazadas por un cable sobre una vía de ferrocarril, a modo de ascensor, de tal forma que mientras uno sube, el otro baja.

Esta es una famosa canción napolitana compuesta en 1880 por Luigi Denza con letra del periodista Peppino Turco. Conmemora la apertura del primer funicular del Monte Vesubio y se cantó por primera vez en el Hotel Quisisana, Hotel de Castellammare di Stabia. Tuvo gran éxito, de esa manera Turco y Denza la presentaron en el Festival de Piedigrotta en ese mismo año. Eduardo Oxenford, un cantautor inglés y traductor de libretos, publicó una versión que se popularizó en países de habla inglesa.

Seis años después de la composición de Funiculì, funiculà, el compositor alemán Richard Strauss escuchó la canción, durante una gira por Italia. Pensó que se trataba de un tema folclórico y lo incorporó a su sinfonía Aus Italien. Denza presentó una demanda contra él, ganó el pleito y, a partir de entonces, cobró un canon cada vez que el Aus Italien se ejecutaba en público.

Esta versión de Richard Strauss es la que oímos aquí, cantada por Luciano Pavarotti:

 

Por si queréis cantarla vosotros también,  (está en dialecto napolitano, algo diferente al italiano):

Aissera, Nanninè, me ne sagliette, tu saje addo’? (Tu saje addo’?)
Addo’ ‘stu core ‘ngrato cchiu’ dispietto, farme nun po’! (Farme nun po’!)
Addo’ lo fuoco coce, ma si fuie, te lassa sta! (Te lassa sta!)
E nun te corre appriesso, nun te struie, sulo a guarda’! (Sulo a guarda’!)
Jammo, jammo, ‘ncoppa jammo ja’,
jammo, jammo, ‘ncoppa jammo ja’.
Funiculí – funiculá, funiculí – funiculá,
‘ncoppa jammo ja’, funiculí – funiculá.
Nèh jammo: da la terra a la montagna,
no passo nc’è…
No passo nc’è…
Se vede Francia, Pròceta, la Spagna…
e io veco a te!
E io veco a te…
Tiráte co li ffune, ditto ‘nfatto,
‘ncielo se va…
‘Ncielo se va…
Se va comm’a lo viento e, a ll’intrasatto,
gué saglie sá’…
Gué saglie sá’…
Jammo, jammo,
‘ncoppa jammo ja’…
Jammo, jammo,
‘ncoppa jammo ja’…
Funiculí – funiculá,
funiculí – funiculá…
‘Ncoppa jammo ja’,
funiculí – funiculá….
Se n’ ‘e’ sagliuta, oi’ ne’, se n’ ‘e’ sagliuta, la capa già! (La capa già!)
E’ gghiuta, po’ e’ turnata, po’ e’ venuta, sta sempe cca’!(Sta sempe cca’!)
La capa vota, vota, attuorno, attuorno, attuorno a te! (Attuorno a te!)
Sto core canta sempe nu taluorno,sposammo,oi’ ne’!(Sposammo,oi’ ne’!)
Jammo, jammo, ‘ncoppa jammo ja’,
jammo, jammo, ‘ncoppa jammo ja’.
Funiculí – funiculá, funiculí – funiculá,
‘ncoppa jammo ja’, funiculí – funiculá

 

En español seria:

Ayer por la tarde, mi amor, fuí,
¿sabes adónde?
¡Adonde este ingrato corazón no puede pesarme más!
¡Adonde el fuego quema, pero si huyes
te permite ir!
¡Y no te sigue, no te quema, para que veas el cielo!…
Vamos, vamos de la mano, vamos para allá,
¡funiculì, funiculà!
¡Vamos desde el suelo a la montaña, mi amor! ¡Sin caminar!
Tú puedes ver Francia, España y Procida…
¡y yo puedo verte!
Tirado por una soga, no antes de decir que hacer,
vamos a los cielos ..
Vamos rápido como el viento, ¡subamos!, ¡subamos!
Vamos juntos, vamos para allá,
¡funiculì, funiculà!
¡Hemos subido, mi amor, ya hemos subido a la cima!
Ha ido, regresó y, a continuación, vuelve…
¡Está todavía aquí!
¡La vacía, vacía cumbre, alrededor, alrededor,
alrededor tuyo!
Este corazón todavía canta
y no es petulante
¡Vamos a casarnos, mi amor!
Vamos juntos, vamos para allá,
¡funiculì, funiculà!

El gong sinfónico


 

gongs

El gong es un instrumento de percusión formado por una gran plancha metálica circular de diversas aleaciones (habitualmente en bronce), con los bordes curvados gong normalmente hacia adentro, que una vez percutida posee una gran capacidad de resonancia y una profundidad de sonido más amplia que la de los platos, resultando una calidad sonora más redonda,

Existen dudas a la hora de diferenciar al gong con otro instrumento prácticamente idéntico: el Tam-tam. Primeramente, surge la confusión del tam-tam con el tambor africano con mismo nombre. Básicamente, la diferencia esencial es que el gong produce un sonido afinado, mientras que el tam-tam produce un sonido indeterminado.

El gong es un instrumento de amplias posibilidades. Una primera surge al percutirlo directamente con un solo golpe mediante una maza. Esta primera posibilidad se agranda según en la zona del instrumento en la que lo percutamos. Una segunda posibilidad es cuando percutimos con dos mazas iguales, lo que nos da la posibilidad de realizar trémolos.

La mayoría tienen una elevación en el centro, situando el punto en que se ha de golpear y será el punto de origen de la vibración que genera el sonido, por lo general, grave y lúgubre. No obstante, a pesar de ser un instrumento relativamente grande, tiene muchas posibilidades de matices: desde un pianísimo a un fortísimo.

El sonido del gong tarda unas décimas de segundo en producirse, por lo que el percusionista debe anticipar dicha percusión. Cuando desea apagar el sonido, unas veces lo consigue con las manos, y otras abrazando literalmente el instrumento. El gong permanece suspendido sobre un soporte, y frecuentemente, es percutido, además de por mazas, por diferentes baquetas y utensilios. gong sinfonico

El gong puede estar afinado o no, por lo que, puede generar tanto sonidos determinados como indeterminado.

Tiene origen oriental. En Occidente, fue empleado, por primera vez, en Francia en 1791 por François-Joseph Gossec, en “Los funerales de Marabeau” (Honore Riqueti, Conde de Marabeau).

Si queremos hablar del gong sinfónico, indiscutiblemente tendremos que fijarnos en los creadores de éste: Paiste. Esta casa alemana especializada en instrumentos de percusión (en especial metales), hizo en su momento un riguroso estudio de trabajo de campo, contrastando y aprendiendo de las distintas culturas del Sur Este Asiático que usan el gong desde hace 4000 años. No obstante podemos encontrar de distintos tipos según su procedencia.

Una secreta aleación de metales, junto con multitud de «golpes» (esparcidos de una forma muy concreta alrededor del centro del gong), proveen al gong sinfónico de posibilidades ilimitadas, por su especial timbre armónico, característica sensibilidad de vibración, al mismo tiempo que un fuerte y poderoso sonido.

Su uso ha ido ritualizado desde los inicios, hasta hoy en día: Utilizado para ritos en momentos de traspaso como funerales o celebraciones, teatro, música, con un fuerte significando para las culturas asiáticas, dónde hoy en día la alta cultura lo utiliza cómo instrumento de orquestra.

Actualmente también se utiliza como instrumento en el campo de la musicoterapia, por el fuerte efecto que ejerce sobre la mente y el cuerpo. En la metodología desarrollada por el  psiquiatra alemán Peter Hess, “El Ritual del Gong”, el gong, junto con el monocordio, la tampura, la tabla, el didjeridú, y la percusión oceánica, nos permite acceder a niveles profundos de la conciencia, reviviendo recuerdos asociados con las matrices perinatales: Primeras fases de la existencia en el útero materno y proceso de parto.

 Es un instrumento muy útil en el campo de la meditación, ya que su sonido provoca un estado modificado de la conciencia instantáneo; no obstante, por esta misma razón, y para que el uso sea terapéutico, deberá ser usado en un marco controlado, con finalidades terapéuticas, y que permita integrar la experiencia vivida.

Ver musicoterapia

 

Además de en una de las piezas que ya conocemos “Así habló Zaratustra”,  podemos oír el gong muy claramente, como he nombrado antes, en esta “Marche Lúgubre” de François-Joseph Gossec:

 

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Cuelgo un vídeo de música en la que intervienen el gong, tampura, didjeridú, como veréis es música para relajación; la pieza se titula “Mundo submarino” de Terry Oldfields:

Georges Prêtre


Marcha de Napoleón – Johann Strauss

No hay director de orquesta que no se sienta halagado por sumarse al elenco de grandes maestros que han inaugurado el año con los valses de Strauss al frente de Georges Prêtre la Orquesta Filarmónica de Viena en el concierto de música clásica más mediatizado del mundo. El elegido para dirigir el Concierto de Año Nuevo del 1 de Enero de 2010 fue, una vez más  George Prêtre.

Prêtre nació en Waziers el 14 de agosto de 1924 y murió  en Navés el 4 de enero de 2017. Estudió armonía y dirección de orquestra en el Conservatorio de París. Después de graduarse, dirigió en varias compañías de ópera menores en Francia (a veces bajo el nom de plume de Georges Dherain) antes de realizar su debut en París en la Opéra-Comique con Capriccio de Richard Strauss. Su debut en la Royal Opera House, Covent Garden llegó en 1961, con sus primeras apariciones en la Ópera del Metropolitan, Nueva York, y el Teatro de La Scala, Milán, a fines de los años 1960. Trabajó con Maria Callas en varias ocasiones, y realizó grabaciones de Carmen y Tosca con ella, siendo su director musical favorito. Por un tiempo fue director musical de la Ópera de París.

Además de la ópera, Prêtre era muy conocido por sus interpretaciones de música francesa. Estaba especialmente asociado con Francis Poulenc, habiendo dado el estreno de su ópera La voix humaine en la Opéra-Comique en 1959 en sus Sept répons des ténèbres en 1963. En 1999 dio una serie de conciertos en París para celebrar el centenario del nacimiento de Poulenc. En 2008, contando con la edad de 83 años, se convierte en el primer director francés y el más longevo en dirigir el Concierto de Año Nuevo de Viena, queGeorges Prêtre1 abrió con la obertura de Die Fledermaus, de Johann Strauss, la más célebre opereta jamás compuesta.

Entre los valses, polcas y mazurcas de los Strauss que dieron  la bienvenida con energía y espíritu positivo al nuevo año, se colaron también las piezas de tres compositores ajenos a esa dinastía musical, como la obertura de la opera cómica Las alegres comadres de Windsor, de Otto Nicolai.
Los otros dos compositores ajenos a la saga musical más famosa eran el alemán nacionalizado francés Jacques Offenbach, con la obertura de su ópera romántica Die Rheinnixen, y el danés Hans Christian Lumbye, con su conocido Champagne Galop.

Durante los últimos quince años, Prêtre ha sido uno de los directores de orquesta más solicitados con producciones al frente de la Filarmónica de Berlín, de Viena, la Orquesta Sinfónica de Bamberg, la Orquesta Nacional de Francia y la Orquesta de París, entre otros.

El timbal


La palabra timbal proviene de un cruce de raíces latinas y árabes:

  • Del latín, «Tímpano» que proviene del latín «tympanum», basado en la raíz griega τύπω («tumpo», golpear)
  • Del lado árabe, la raíz » at-tabl» (redoblar, tocar el tambor), llevó a «atabal», (tambor, en castellano «atambor»).

Por cruce con tímpano y pérdida de la primera vocal culmina en timbal.

Los timbales son instrumentos de percusión que tocan los timbalistas, constan de un gran cuenco sobre el cual hay un trozo de cuero estirado y tenso que posee características vibratorias especiales lo cual permite que el mismo pueda ser afinado de diversas maneras.

partestimbal

Para golpear la membrana y producir el sonido se emplean diversos tipos de palillos, por ejemplo, esponjados, con fieltro, engomados, o de madera, según sea el timbre que se desea obtener.timbala

La frecuencia de la fundamental en los timbales se altera variando la tensión de la membrana mediante los tornillos y el pedal. Este es similar a los otros instrumentos que poseen membranas.

El timbal emite un sonido de baja frecuencia con un tono definido. Por medio del pedal, el timbre puede variar tan rápida y precisamente que se puede interpretar una melodía.

Generalmente los timbales son hechos de dos piezas. El rango de frecuencia de la fundamental de ambos timbales son los siguientes: el menor de Si b2 a Fa3, y el más grande de Fa2 a Do3. El más pequeño mide 60 centímetros de diámetro y el otro 75 centímetros.

Distintos modelos de tambores y tamboriles se usaron desde las civilizaciones antiguas, en especial para propósitos ceremoniales MA106_MA107_MA105_MA108y militares.

En Medio oriente se utilizaban variantes primitivas del timbal desde antes del siglo XII, que evolucionaron junto a la trompeta para llegar a ser los principales instrumentos musicales de la caballería.

Jean-Baptiste Lully fue el primer compositor de relevancia que incluyó partes orquestales de timbal para su ópera «Teseo» en 1675. Pronto lo imitaron otros compositores del siglo XVII.

Ludwig van Beethoven revolucionó la música de timbal a principios del siglo XIX.No solo escribió para instrumentos afinados en intervalos distintos de cuartas o quintas, sino que le dio la relevancia de una voz independiente sobre la base de «Tönet, ihr Pauken!». Por ejemplo su Concierto para Violín de 1806 se inicia con cinco golpes de timbal, y el scherzo de su novena sinfonía (1824) muestra al timbal en un contrapunto con la orquesta.

Podemos oír a continuación el fragmento de una obra conocidísima de Richard Strauss en la que se oyen claramente los timbales, se trata de “Así habló Zaratustra”, seguro que la habéis oído muchas veces, es el “amanecer”:

Richard Strauss compuso este poema sinfónico de 40 minutos basándose en la obra del mismo título escrita por Nietzsche. Está dividida por capítulos, que  coinciden con los de libro. Zaratustra es un ermitaño que vive recluido en la montaña acompañado de un águila y una serpiente, donde a lo largo de su retiro reflexiona sobre la vida y la naturaleza del hombre. Una vez que siente que es el momento adecuado, decide regresar al mundo para comunicarle el fruto de su conocimiento.

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