Pilar Jurado Ruíz


Pilar Jurado 3 copia

Pilar Jurado Ruíz nació en Madrid el 5 de enero de 1968. Es soprano, directora de orquesta y compositora española.

Empezó sus estudios con 8 años en e Real Conservatorio Superior de Música de Madrid en 1974, donde cursó piano, canto, composición, musicología, pedagogía musical y dirección de orquesta. Amplió su formación en Bélgica, Francia e Italia becada por el Ministerio de Asuntos Exteriores; perfeccionó su técnica vocal en París  y en la Academia Chigiana de Siena.

Su debút en 1992 como solista de la ópera Antigua fe, de Luis de Pablo, le proporcionaría un gran éxito que la llevó a actuar a los mejores teatros operísticos de Europa, obteniendo su consagración ese mismo año con su representación de la ópera barroca Viento es la dicha de amor, de José de Nebra.

En 1997, actúa en la primera representación que se hizo en el Teatro Real de Madrid en su re-inauguración, con la ópera de Manuel de Falla La vida breve. Su relación con el teatro madrileño se fideliza con varias montajes sucesivos durante numerosas temporadas. En 2000, Pilar Jurado debuta en el Concertgebouw de Amsterdam y en el Liceo de Barcelona en la ópera Don Quijote de Jose Luis Turina, con montaje de La Fura dels Baus. Posteriormente, se hace hueco en los teatros de toda Europa y Asia.

Además, es profesora de Contrapunto y Fuga del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Como compositora, ha recibido numerosos encargos de distintas instituciones como el  Taller de Música Contemporánea de la Universidad de Málaga, la Fundacion Juan March, del Congreso Mundial de Saxofón, del Festival de Música Contemporánea de Rotter­dam (Holanda), o del  Centro para la Difusión de la Música Contemporánea. Ha presentado sus creaciones en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, ENSEMS de Valencia y ciclos de la Fundación Juan March. Sus obras han sido interpretadas en España, Inglaterra, Alemania, Austria, Holanda, Cuba, EE. UU. y difundida por la U.E.R. a toda Europa.

En cuanto a sus discos, Pilar Jurado ha sabido interpretar a la música barroca con ritmos electrónicos. También mezcla ópera con ritmos de jazz, bossa nova o canciones procedentes del cine. Ejemplo de estos trabajos de fusión son los discos Brazil (2002), PJ Proyect (2005), L’arte della coloratura (2008), Arias de cine y Una voz de cine (ambos de 2010).

  En el vídeo una pieza correspondiente a la obra L’arte della coloratura: “Una voce poco fa”

Ha cosechado numerosos premios: Premio Iberoamericano Reina Sofía(1992), Premio Jacinto Guerrero (1993), Premio Cristóbal Halffter de Composición para órgano (1993), Primer Premio SGAE (1997), Premio Ojo Crítico en 1998 por su triple faceta: cantante, compositora y directora de orquesta, Premio Villa de Madrid (2000).

Es miembro de la Asociación Madrileña de Compositores y de la Asociación Mujeres en la Música.

En febrero de este año 2011 estrena una ópera por encargo de D. Antonio Moral para el Teatro Real de Madrid, se convertirá así en la primera mujer que estrena una ópera en este Teatro. La obra se llama “La página en blanco” a la que ha calificado como un thriller operístico. En esta ópera, según ha revelado su autora, se tratan temas muy actuales, la cibercultura, la soledad del compositor, la soledad del ser humano actual ante un ordenador, que no necesita moverse de la silla para vivir una vida a veces ficticia, ¡ hay hasta robots ! …

En palabras de la autora:

“Es la historia de un compositor que escribe una ópera, ópera dentro de opera, como hizo Strauss. Es un ‘thriller’ relacionado con la cibernética. Quería un tema actual con el que se sintiese identificado el público. El mundo funciona por complicidades y cuando haces cómplice a los demás de lo que quieres, entran en el juego. La vida y el arte es un juego. Quería que la historia hablase del hombre de hoy. Creo que el artista tiene que ser testigo de su momento y dar su opinión. Hablo de la soledad del ser humano frente a un ordenador, cada vez más aislado de entorno y realidad para imbuirse en una realidad virtual y llegará el momento en que no sabremos qué es real y que no. La ópera habla también de pasiones. ‘La página en blanco’ es lo que un compositor se encuentra y habla de alegoría de que nuestra vida y el futuro, que es una página en blanco que se escribe cada día.”

El trombón


¿Cómo se hace el trombón?

 

El trombón es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-metal, con un registro más grave que el del corno.

El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).

Consta de la boquilla acoplada a un tubo cilíndrico con forma de U, de aproximadamente 3 metros de largo, doblado sobre sí mismo y conectado a una sección cónica que se ensancha en forma de campana.

La sección telescópica (tubo móvil o vara) hace posible variar la longitud del tubo, y por lo tanto alterar la frecuencia resonante. El trombón es el único instrumento, además de la familia del violín, con los cuales es posible obtener una frecuencia continua deslizante de un lado a otro del rango de frecuencias de la fundamental.

trombon

Partes del trombón:

  1. Deslizador de afinación
  2. Boquilla
  3. Corneta
  4. Liberador de agua
  5. Manopla principal
  6. Puente
  7. Puente
  8. Traba de deslizamiento

El tono se determina según la posición de la vara, los labios del músico y la presión de aire; por lo tanto, el instrumentista debe tener un agudo sentido del tono y la habilidad requerida para producir la nota correcta, casi, instantáneamente. Esto implica que la nota debe ser creada por el músico y no que viene dada servida por el instrumento.

En la familia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños, se puede clasificar según el sonido particular que emite y por tanto las notas y claves que le cambia la altura de las notas utilizando un sistema de válvulas y pistones. El sonido es distinto y exagera cualquier imprecisión en la entonación. trombon-varas

Según su tamaño
  • Trombón soprano
  • Trombón alto
  • Trombón tenor (usual)
  • Trombón bajo
  • Trombón contrabajo
  • Trombón Buccin

En la orquesta se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo.

El trombón, como los otros instrumentos de viento, tuvo su origen en la barra hueca y los cuernos de los animales

Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa y desde el siglo XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica contribuyendo a ello tanto Berlioz como otros compositores importantes de la época y,fue Wagner, quien le dio una posición estable.

Durante el siglo XVIII el acampanamiento del pabellón del trombón se hizo más pronunciado y los soportes móviles se sustituyeron por abrazaderas firmemente soldadas. La primera parte del siglo fue también testigo de un declive general en la utilización del instrumento. Pero esta tendencia se invirtió a finales del siglo, cuando las bandas militares encontraron útil el trombón y cuando sus asociaciones eclesiásticas y sobrenaturales lo introdujeron en las óperas de Gluck y Mozart.

Nuestro instrumento tiene un uso cada vez más adentrado en el jazz, en el que, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas, así como en géneros diferentes como el reggae, salsa, cumbia etc. lo que se pensó como un instrumento 100% clásico, se ha podido adaptar a través de los años en estos diversos géneros.

 
 
 

Leroy Anderson


La música dé Leroy Anderson esta arraigada en la cultura popular Norteamericana. Fue un compositor de miniaturas distintivas y alegres. Sus composiciones mas conocidas incluyen Sleigh Ride, The Syncopated Clock y Blue Tango. Originalmente, escribió casi todas sus composiciones para orquesta, luego, las transcribió, él anderson mismo, para banda y también para otros grupos de instrumentos. Después de ser publicadas, Mitchell Paris agregó palabras a 7 de sus composiciones.

«Muchos consideran que Leroy Anderson es uno de los cuatro compositores estadounidense de música instrumental mas importantes. George Gershwin, Aarón Copeland y Charles Ives son los otros tres.»

Mark Azzarra, Waterbury (Connecticut) Republican (diario)

Leroy Anderson nació el 29 de Junio de 1908, en Norfolk Street, Cambridge, Massachusetts. Sus padres Suecos emigraron a Estados Unidos muy jóvenes. Su padre Bror Anton Anderson, vino de Kristianstad en la provincia de Skåne, Suecia, trabajó en el correo de Plaza Central y tocaba el mandolín. Su madre, Anna Margareta Anderson era de Estocolmo, fue organista en la iglesia Sueca de Cambridge. Cuando Leroy cumplió un año, se mudaron al 12 Chatham Street. Un escritor dijo «Ese suburbio de Boston, continuó siendo el centro del mundo de Leroy durante las próximas tres décadas.»

Vivió con sus padres y su hermano Russell, de 1909 hasta 1936, cuando se trasladó a Nueva York. Volvía a menudo a 12 Chatham Street para ver a sus padres, transcribiendo muchas melodías de los teatros musicales de Broadway, para Arthur Fiedler el director del Orquesta Pops de Boston. Ahi compuso su lrish Suite en once días.

Leroy dijo que recibió toda su educación en la calle Broadway, en Cambridge. Asistió a Escolar Elemental de Harvard en la esquina de Broadway y Harvard Calles,Sleigh_Ride_CD siguió en «Cambridge High and Latin School» (ahora «Rindge High and Latin School»). En 1919 empezó cursos de piano en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra. En 1925, compuso, orquestó y dirigió la orquesta de su escuela en la canción de graduación. Su padre le compró un trombón para que pudiese estar en primera fila en la banda, cuando entrara a Universidad Harvard de la cual fue director.

En 1936 hizo sus primeros arreglos para la popular Boston Pops Orchestra (de la que más tarde sería director), y el mismo año se mudó a Nueva York. Su composición «Jazz Pizzicato» fue estrenada en 1938, bajo la dirección de Arthur Fiedler y los Boston Pops.

Grabó su primer disco en 1950 (para Decca Records), que contenía trabajos propios. Dos años después ya recibía un Disco de Oro por haber vendido un millón de copias de su álbum Blue Tango, la primera obra instrumental en lograr esas ventas. Continuó dirigiendo a los Boston Pops y a otras orquestas en gira por Estados Unidos y Canadá hasta 1974. Escribió una pieza teatral-musical, Goldilocks (1958). Otras de sus composiciones más conocidas son «Jazz Pizzicato» (1938), «The Syncopated Clock» (1945), «Sleigh Ride» (1948), «Plink, Plank, Plunk!» (1951) y «The First Day of Spring» (1954). THE TYPEWRITER (1950) es tema donde el humor está expresado por la utilización de la máquina de escribir como un solo «instrumental». BUGLER’S HOLIDAY (1954) es una pieza militar para tres cornetas, donde los ejecutantes marcan el paso e interpretan sus instrumentos en estricto compás.

Leroy fue a  Massachusetts a dirigir la orquesta de Rindge High and Latin School en 1973. Al año siguiente Orquesta Pops de Boston lo honró en un concierto televisado a todo el país. Leroy estaba allí y fue invitado a dirigir la orquesta. Leroy dijo a su esposa «fue la noche mas especial de mi vida.» Continuó dirigiendo su música por todo el país hasta su muerte en 1975.

Podemos ver a continuación la interpretación que de “The Typewriter” hizo Jerry Lewis: