Claude Debussy


Claude Achille Debussy nace en St. Germain-en-Laye, el 22 de agosto de1862 y muere en París el 25 de marzo de 1918. Fue un compositor francés principal representante de lo que se ha llamado “impresionismo musical” junto a nuestro ya conocido Mauricio Ravel.

Su padre, Manuel-Achille Debussy regentaba una tienda de porcelana y trabajaba en la imprenta de Gianfranco Castronovo y su madre era Victorine Manoury

Empezó a estudiar piano desde pequeño en casa de su tía Clementina Debussy e ingresó en 1873 en el Conservatorio de París donde adquirió fama de músico revolucionario aunque, en 1884 logró el «Prix de Rome» con la cantata El hijo pródigo que consistía en pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis .

Hizo un paréntesis en sus estudios en el verano de 1880, trabajando de acompañante como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora de Tchaikovsky y fanática de su música, en sus viajes a través de la Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del «grupo de los Cinco».

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Noctámbulo y asiduo a los ambientes de café, de escasos recursos económicos y con variados problemas personales, Claude Debussy atravesó periodos de depresión y otros de auge y notoriedad pública. El progresivo distanciamiento de sus padres o la ruptura de su compromiso con Thérèse Roger no impidieron su gran ritmo de trabajo. Entre 1892 y 1894 compone sus obras para orquesta  más reveladoras.

En 1909 le diagnosticaron un cáncer que acabaría con su vida 9 años después. Murió el 25 de marzo de 1918, cuatro días después del comienzo de una poderosa ofensiva de los alemanes en Arrás, 150 km al norte de París.

Entre sus más de cien obras se encuentran óperas, piezas de piano, piano a cuatro manos, música orquestal, ballet, música vocal, piezas para flauta, clarinete, … etc.

El “Rincón de los Niños” es una suite para piano compuesta por Claude Debussy que dedicó a su hija, Claude-Emma (conocida como «Chou-Chou»), que tenía tres años en ese momento. Fue publicada en 1908, y se estrenó en París:

 

Parte de: http://www.biografiasyvidas.com/

Claro de Luna – Claude Debussy


Se cree que Claude Debussy empezó a componer su Claro de Luna en 1890, mientras todavía estaba estudiando música, pero no se publicó hasta 1905, año en el que el autor decidió incluirla en la Suite Bermasque.

 Indiscutiblemente Claro de Luna es su pieza más famosa, pertenece al 3º movimiento de dicha Suite (su obra más importante) que toma su nombre de las máscaras de la Comedia del arte ( Commedia dell’Arte) de Bérgamo. Estas máscaras se remontan a la segunda mitad del siglo XVI.

 La Commedia dell’Arte era una forma de teatro de improvisación, se inició en el siglo XVI y fue popular hasta el XVIII. Consistía en crear un escenario al aire libre para ofrecer diversión con una mezcla de malabarismos, acrobacias y humor sobre una base de personajes con una historia áspera.

 En el año 1869 el poeta Paul Verlaine publica una colección de poemas llamado Fetes galantes («Fiestas galantes»), entre los cuales se encuentra uno llamado “Claro de Luna” que sirve de inspiración a nuestro autor para componer su pieza.

 La Suite Bermasque se divide en cuatro piezas: un Preludio, un Minueto, el Claro de Luna y un Pasapiés. Pero fue tal la popularidad de la tercera que le dio fama toda la obra.

 Os cuelgo un vídeo, fragmento de la película “Fantasía” de Disney, en el que podéis oir esta pieza. Estoy segura de que os gustará:

¿Qué es la musicoterapia?


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Por definición la musicoterapia es la curación mediante la música ( terapia= curación,tratamiento, y música= combinación de sonidos y ritmo)  . Pero, ¿así de simple?, no, la terapia mediante la música va mucho más allá, podríamos decir que este poder de la música se utiliza en la consecución de objetivos terapéuticos, manteniendo, mejorando y restaurando el funcionamiento físico, cognitivo, emocional y social de las personas. Podríamos decir que es a la vez un arte, una ciencia y un proceso interpersonal.

Según la American Music Therapy Association (AMTA):

“Es la utilización de la música y/o de los elementos musicales (sonido, ritmo, melodía y armonía) por un musicoterapeuta cualificado, con un paciente o un grupo de pacientes, en un proceso para facilitar y promover la comunicación, la relajación, el aprendizaje, la motricidad, la expresión, la organización y otros relevantes objetivos terapéuticos con el fin de satisfacer las necesidades físicas, emocionales, mentales, sociales y cognitivas.”

“»Es el uso de la música en la consecución de objetivos terapéuticos: la restauración, mantenimiento y acrecentamiento de la salud tanto física como mental. Es la aplicación sistemática de la música, dirigida por el musicoterapeuta en un ámbito terapéutico para provocar cambios en el comportamiento.”

La musicoterapia hace uso de sonidos, trozos musicales y estructuras rítmicas para conseguir diferentes resultados terapéuticos directos e indirectos a nivel psicológico, psicomotriz, orgánico y energético.

“La musicoterapia tiene su origen en la noche de los tiempos. Los primeros musicoterapeutas son los chamanes, médicos brujos tribales quienes comienzan a utilizar cánticos, salmodias, susurros y estructuras rítmicas repetitivas para inducir estados de conciencia a nivel colectivo con fines catárticos y religiosos. Se tienen evidencias del uso ritual de la música en casi todas las grandes culturas de la antigüedad. Los griegos (Pitágoras, Platón, Aristóteles …) y los egipcios nos cuentan acerca de los efectos psicológicos de diferentes escalas y modos musicales. De la misma manera, hindúes, chinos y japoneses antiguos, reconocen en sus ragas y modos pentatónicos, estructuras musicales aplicables a diversas actividades y estados de ánimo. A partir de tales tradiciones, durante el presente siglo se ha sistematizado el estudio de los efectos psicológicos y orgánicos de la música y se ha reconocido a la musicoterapia como vertiente terapéutica de valor concreto.”

Juan José Lopera

Médico y Terapeuta (Sintergética, Musicoterapia y Sanación)

musicoterapiaHay muchas disciplinas relacionadas con este método, psicología, psiquiatría, psicoterapia, educación especial, etc. y tiene diversas aplicaciones en muy distintos campos.

Uno de los usos cotidianos más simples y difundidos de la musicoterapia es la regulación del estado de ánimo. Se utilizan trozos musicales para alegrarnos en la depresión o para calmarnos en medio de estados de excitación producidos por la rabia, el estrés o el temor.

También se pueden utilizar trozos musicales para mejorar el aprendizaje, ejercicios rítmicos para mejorar la coordinación y la resistencia física. La música, bien empleada, puede facilitar el contacto con bloqueos emocionales concretos y producir la catarsis necesaria para la resolución del conflicto.

Se ha comprobado como la música es capaz de afectar notablemente a la actividad cerebral y por tanto afectar a los patrones cognitivos, y a las funciones vegetativas (frecuencia cardiaca, ritmo respiratorio, etc). También parece ejercer una cierta influencia en la capacidad de aprender y en la estimulación psicomotriz.

Beneficios de la musicoterapia en los niños

Todo lo que es música, para un niño, siempre es positivo. Pero debemos tener en cuenta que ésta debe ser siempre adaptada a sus oídos, a su capacidad demusicoterapia1 escucha; a su edad.

A un niño, la musicoterapia le puede ir muy bien para mejorar el aprendizaje, la coordinación, controlar la ansiedad y mejorar el estado de ánimo, entre otros. Pero, sobre todo para ayudarle a organizarse a nivel interno. La influencia de la música es mucho mayor de lo que creemos.

Cuanto antes se exponga la música al niño más beneficios le aportará, sea como terapia o sea como uso lúdico. De hecho, el uso de canciones para enseñar habilidades académicas, sociales y motoras a niños pequeños se ha convertido en una práctica común para algunos profesores y educadores de música y, por supuesto, para muchos musicoterapeutas de los Estados Unidos.

Hay muchos estudios que demuestran que la música y sus componentes producen patrones de actividad eléctrica cerebral. Esto lleva a una mayor eficacia a nivel del funcionamiento del cerebro no sólo como rector de los procesos cognitivos sino también como regulador de las funciones vegetativas del organismo.

 musicoterapia3 Logrando una estimulación musical en la que participen activamente se promueve el desarrollo físico, mental, intelectual, sensorial y afectivo de los niños. Esto repercutirá favorablemente sobre otros de los objetivos educativos a los que se aspiran tales como la atención, la concentración, colaborando en el desarrollo de la imaginación y la creatividad así como en la desinhibición.

Con este tipo de actividades se busca desarrollar también la coordinación motriz, el movimiento, la marcha, lograr cierta discriminación auditiva; y que adquieran destrezas y medios que le mejoren la expresión oral, perfeccionando la articulación, vocalización, el control de la voz, incluso se logra mejorar la respiración y el funcionamiento de los órganos que intervienen en ella.

Se refuerza la autoestima y la personalidad mediante la realización personal, y se acentúan pautas de conducta que facilitan su integración social y liberan la energía reprimida.

También es efectiva para la recuperación de los bebés hospitalizados en cuidados intensivos.

Algunas piezas de música clásica y autores propios para musicoterapia:

He enlazado las piezas que  ya están incluidas en este blog, el resto las iré insertando poco a poco.

Obras relajantes:

Beethoven: Minueto, Sinfonía heroica, Para Elisa, sonata Claro de Luna

Brahms: Vals op.39 N15,Canción de cuna

Bach: Largo de concierto en la suite en si bemol, concierto de Brandemburgo.

Bach: Aria en sol

Pachelbel: Canon

Schubert: Sinfonía inacabada, Ave María

Vivaldi: Concierto para oboe

Mozart: Concierto nº 3 para violín

Chopin: Tristeza

Albinoni: Adagio

Saint-Saëns: Carnaval de los Animales

Offenbach: Barcarola

Tchaikowsky: Sexta sinfonía

Debussy: El mar, Claro de Luna

Wagner: Preludio de Parsifal

Fajerman: Flowers of Love

Stivell: Renacimiento del arpa

Haendel: Música acuática

Obras Estimulantes:

Wagner: La gran marcha de Tannhauser, el final de los Maestros cantores, la Obertura de Rienzi

Boccherini: Minuetto

Mozart: Minueto Don Juan

Borodin: El Príncipe Igor

Popular escocesa: Días Lejanos

Popular napolitana: Santa Lucía

Obras energizantes:

Elgar: Pompa y Circunstancia

Verdi: Marcha triunfal de Aida

Tchaikowsky: Marcha Eslava

Mozart: Marcha Turca, Las Bodas de Fígaro, Serenata, Sinfonía Júpiter

Faure: In Paradisum

Toselli: Serenata

Rossini: Obertura de Guillermo Tell

Schubert: Momento musical

El trombón


¿Cómo se hace el trombón?

 

El trombón es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-metal, con un registro más grave que el del corno.

El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).

Consta de la boquilla acoplada a un tubo cilíndrico con forma de U, de aproximadamente 3 metros de largo, doblado sobre sí mismo y conectado a una sección cónica que se ensancha en forma de campana.

La sección telescópica (tubo móvil o vara) hace posible variar la longitud del tubo, y por lo tanto alterar la frecuencia resonante. El trombón es el único instrumento, además de la familia del violín, con los cuales es posible obtener una frecuencia continua deslizante de un lado a otro del rango de frecuencias de la fundamental.

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Partes del trombón:

  1. Deslizador de afinación
  2. Boquilla
  3. Corneta
  4. Liberador de agua
  5. Manopla principal
  6. Puente
  7. Puente
  8. Traba de deslizamiento

El tono se determina según la posición de la vara, los labios del músico y la presión de aire; por lo tanto, el instrumentista debe tener un agudo sentido del tono y la habilidad requerida para producir la nota correcta, casi, instantáneamente. Esto implica que la nota debe ser creada por el músico y no que viene dada servida por el instrumento.

En la familia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños, se puede clasificar según el sonido particular que emite y por tanto las notas y claves que le cambia la altura de las notas utilizando un sistema de válvulas y pistones. El sonido es distinto y exagera cualquier imprecisión en la entonación. trombon-varas

Según su tamaño
  • Trombón soprano
  • Trombón alto
  • Trombón tenor (usual)
  • Trombón bajo
  • Trombón contrabajo
  • Trombón Buccin

En la orquesta se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo.

El trombón, como los otros instrumentos de viento, tuvo su origen en la barra hueca y los cuernos de los animales

Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa y desde el siglo XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica contribuyendo a ello tanto Berlioz como otros compositores importantes de la época y,fue Wagner, quien le dio una posición estable.

Durante el siglo XVIII el acampanamiento del pabellón del trombón se hizo más pronunciado y los soportes móviles se sustituyeron por abrazaderas firmemente soldadas. La primera parte del siglo fue también testigo de un declive general en la utilización del instrumento. Pero esta tendencia se invirtió a finales del siglo, cuando las bandas militares encontraron útil el trombón y cuando sus asociaciones eclesiásticas y sobrenaturales lo introdujeron en las óperas de Gluck y Mozart.

Nuestro instrumento tiene un uso cada vez más adentrado en el jazz, en el que, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas, así como en géneros diferentes como el reggae, salsa, cumbia etc. lo que se pensó como un instrumento 100% clásico, se ha podido adaptar a través de los años en estos diversos géneros.